Zietgeist, the movie (2007)

Zeitgeist es un documental producido, escrito y editado por Peter Joseph. Fue emitido por internet (Google Video) durante el 2007. No sé de dónde salió este tipo -es imposible encontrar más info en la web-, pero su documental es el más paranoico, inteligente y perturbador que ví en mucho tiempo.

No sé si se consigue en DVD en Argentina, pero en la web se encuentra muy fácil, y vale la pena conocerlo. Está dividido en tres capítulos. El primero -"La historia más grande jamás contada"- compara al Cristianismo con otras religiones y mitos antiguos, y postula básicamente que Jesús nunca existió. El segundo -"Todo el mundo es un escenario"- demuestra que los atentados del 11 de Septiembre fueron en realidad organizados por un grupo de poder de EEUU. Y el tercero -"No prestes atención a los hombres detrás de la cortina"- nos habla del Banco Central y el sistema financiero de USA, su manipulación y real propósito. En este último capítulo es donde, sobre el final, se vuelca más a la especulación y nos augura un futuro de un solo gobierno global, manejado por grupos económicos, donde la población es controlada y manipulada bajo una sumisión total (es aterrador pero no estamos muy lejos de esa visión).

El documental es polémico e impactante, y logra su cometido: dejarte shokeado. Según las palabras del productor: “Ha sido hecho para inspirar a la gente para que empiece a ver el mundo desde una perspectiva más crítica y para que entiendan que muchas cosas no son lo que todos piensan”. Los temas que plantea son sumamente complejos y están resumidos y condensados para que se entiendan fácilmente. 

Es un trabajo notable, se nota la ardua labor del realizador (en serio, quién es este tipo?), la investigación y la edición de todo el material que presenta el documental es contundente.

Más allá de la aceptación o el rechazo que puedan generar las teorías conspirativas del documental, la intención final es el debate y la crítica, hacerse preguntas y ser más conscientes sobre mundo en el que vivimos. 

Zeitgeist, en su traducción literal del alemán significa: "el espíritu (Geist) del tiempo (Zeit)".

No se lo pierdan.

Dani, un tipo de suerte (2007)

Con bastante retraso llega a nuestros cines Dan in the real life, comedia dramática protagonizada por Steve Carrel y Juliette Binoche.

Trata de un periodista -cuya columna de diario da nombre al film-, viudo y padre de tres hijas problemáticas. Toda la acción de la película transcurre en una casa de campo donde se junta toda la familia de Dan, como es costumbre todos los años. Allí se enamorará de... la novia de su hermano!

La temática recuerda a La joya de la familia (2005) con Sarah Jessica Parker, donde también se tocaba el tema de los amores cruzados entre hermanos. También remite a otras películas con reuniones familiares y personajes simpáticos de las que hay muchas. Por suerte no cayeron en el cliché de la típica reunión del "Día de Acción de Gracias" que tanto se ve en el cine yanqui.

Peter Hedges es el director y guionista, quien logra un film liviano y entretenido. A pesar del drama del protagonista, las situaciones de comedia no son forzadas. 

El resultado final es positivo, en gran parte por las geniales actuaciones de los protagonistas. No hace falta decir de Carrel que es un gran actor, y este papel le va justo. 

Los extraños (2008)

No pueden faltar cada temporada títulos como Los extraños en la cartelera. Films de terror para disfrutar en el cine con un balde de pochoclos, donde primeriza la experiencia misma del miedo y el shock. Parejitas y adolescentes abranzandose, riendo y gritando del susto.

The strangers es la opera prima de Bryan Bertino, quien maneja magistralmente los momentos de tensión y suspenso a lo largo de todo el film. El primerizo director y guionista sorprende con un producto fresco, minimalista y bien realizado.

La historia está basada en hechos reales sobre una pareja que se aloja por una noche en una alejada residencia, y son allí asediados por tres psicóticos enmascarados. Protagonizan Liv Tyler y Scott Speedman, muy correctos los dos en sus papeles.

Por suerte, no se repiten fórmulas ya gastadas en films como Sé lo que hicieron el verano pasado o Scream, aunque es inevitable caer en ciertos lugares comunes. El film es simple y de bajo presupuesto, todo transcurre en la casa. Pero a pesar de su excelente dirección y edición, en sus 85 minutos de duración no se desarrolla ninguna trama. Es el terror por el terror mismo, y con media hora hubiera alcanzado para contar esta historia.

 

Aquellos que vayan al cine sin grandes expectativas y gusten de este tipo de películas, tal vez salgan satisfechos. Yo, personalmente, esperaba otra cosa. El juego psicológico de los tres atacantes es enfermizo y perverso, y repito: está narrado magistralmente. Pero ahí se queda la cosa, el final del film no ofrece giros argumentales, ni develaciones. Nada está justificado y tampoco hay sorpresas. Y a mí no me alcanza: The strangers es una película que daba para más, y tranquilamente se puede dejar pasar.

Búsqueda implacable (2008)

Ya desde el trailer podemos apreciar todo lo que tiene para ofrecernos Taken (título original). Recuerda a viejos films de Charles Bronson, donde las peores circunstancias hacen surgir a nuestro héroe, un duro implacable que hará pagar a todos los que se crucen en su camino.

En este caso, la historia cuenta de un espía retirado que escucha por teléfono como raptan a su hija, que está de vacaciones en París. Solo tiene unas horas para viajar hasta allí y poder rescatarla. El film es muy violento y nos muestra el lado más oscuro de París, donde se desarrolla un tema muy de moda como es el mercado de la esclavitud y la trata ilegal de personas.

Desde Francia y evidentemente apuntado al público global, Taken está dirigida por un maestro del género, Pierre Morel (The transporter, Danny the dog) que hace escuela de cómo debe ser una buena película de suspenso y pura acción. Y en el guión figura otro maestro: Luc Besson.

Protagoniza el siempre versátil Liam Nesson: fue judío alemán, caballero jedi, villano de Batman, y ahora un ex-espía que cruzará todos los límites políticos y morales para recuperar a su hija (no conté la cantidad de gente que mata en el film, pero es mucha!). La chica en cuestión es Maggie Grace (Shannon, de Lost), y la preocupada madre es Famke Janssen (Jean Grey en X-men).

Un excelente equipo y una producción impecable: el resultado es uno de los mejores films de acción del 2008. La ridícula calificación de Clarin es "Regular", mientras que en IMDB los usuarios la califican con un 7.8. Dista mucho de ser una obra de arte, pero ¿acaso hace falta? Por supuesto que no. Violenta, dura, poco verosímil pero sumamente entretenida. Muy recomendable.

Entre besos y tiros (2005)

Ambientada en Los Angeles, la historia trata sobre un detective privado, una actirz frustrada y un ladrón devenido en actor que se verán involucrados en un caso de asesinato.

Shane Black es un actor, escritor y productor que se lanza como director en Kiss Kiss Bang Bang (título original). Fue responsable de los guiones de la saga Arma Mortal, y en este film aplica todos sus conocimientos del género, pero burlándose de ciertos clicés del policial negro. Tenemos al narrador en primera persona, al detective privado, la femme fatale , un misterioso asesinato, el glamour de Los Angeles y hasta el típico Jazz como banda sonora: los elementos están dispuestos para generar una trama interesante que logra un perfecto homenaje a las clásicas historias de detectives. Aunque por momentos confunde por la cantidad de información y nombres, la historia es atrapante y está muy bien narrada.

El trío principal está formado por Val Kilmer (como un detective gay bastante gordito), Michelle Monaghan (todavía no tan conocida en esa época) y un increíble Robert Downey Jr.: sútil, verborrágico, cómico; es el protagonista absoluto del film y demuestra su talento a cada minuto, no tiene desperdicio.

Shane Black logró un film visualmente original (vuelvo a destacar el buen uso de Motion Graphics en el cine), bien dirigido, con personajes atractivos y bien desarrollados, con una trama clásica pero vista desde otro ángulo. Sus falencias no llegan a opacar sus grandes virtudes. El cóctel de géneros da por resultado un policial/thriller/comedia de humor negro más que efectivo, que va a dejar la sonrisa marcada en tu cara.

Una guerra de película (2008)

Cuando ví por primera vez el trailer de la película tuve la sensación de estar ante otra comedia boba de Hollywood, la premisa me resultaba totalmente ridícula. Luego, me enteré que era el último proyecto de Ben  Stiller como realizador y que mucha gente la esperaba con gran expectativa. Escuché buenos comentarios, incluso antes de su estreno, sobre esta sátira que bajo su manto de humor tonto criticaba al establishment de la industria del cine.

La trama es la siguiente: una superproducción del cine bélico se está filmando en locaciones reales, en el medio de la selva. El rodaje se complica y la producción se cancela, pero el elenco protagónico termina accidentalmente involucrado en una guerra verdadera.

Ben Stiller vuelve a repetirse como actor (ya lo ha hecho incontables veces), y ahora también como director. Admito haber prejuzgado a Zoolander -que detrás de los gags y chistes fáciles escondía una inteligente crítica al mundo del modelaje y las celebrities en general-, pero en gran medida las virtudes de Stiller han sido magnificadas. En Una guerra de película repite su mirada y su particular humor ácido, esta vez centrado en el mundo del cine.

El film es una parodia a las películas bélicas y al sistema "Hollywoodense", con sus estrellas egocéntricas, sus productores desalmados y otras miserias del mundillo cinematográfico.

El reparto no pudo haber sido mejor, una selección de astros de la comedia: Jack Black como un actor de comedia drogadicto, Robert Downey Jr. como un actor de método que interpreta a un soldado negro y el propio Stiller como un actor de acción que busca remontar su carrera.

Suman en roles secundarios figuras sumamente reconocidas. Matthew McConaughey es el agente de Tugg/Stiller. Nick Nolte es el perturbado veterano de guerra que escribió sus vivencias en la novela Tropic Thunder  (título original del film). Y la gran sorpresa: un irreconocible Tom Cruise como el jefe de estudio, su caracterización es tremenda! (manos gordas, calvo y con pelo en pecho). Y claro, su interpretación nos recuerda lo versátil que puede llegar ser como actor.

Tantos astros juntos se terminan opacando, el histriónico Jack Black creo que es el más afectado (me encanta, sigo toda su filmografía pero en esta ocasión creo que es el menos memorable). Sin dudas, el más polémico y llamativo es el personaje Robert Downey Jr., quien tuvo un gran año con Iron Man y ahora con Tropic Thunder vuelve a demostrar que no es casualidad, su talento es enorme y se lleva los mejores momentos.

En resumen: una comedia efectiva y bien resuelta con el sello "Ben Stiller" de fábrica. Tal vez no sea del todo original y su ritmo decaiga sobre la mitad; pero sin dudas es atrevida, tiene diálogos y personajes que se burlan de todo y de todos. Con algunas escenas controvertidas (el pólemico "Simple Jack", el personaje de Tugg/Stiller de un granjero con retraso mental que hasta a mí me incomodó), un morbo y un humor negro poco habituales, con mucha sangre y mutilaciones incluídas. En mi opinión, no es la mejor comedia del 2008 pero es sumamente recomendable. Los seguidores de Stiller no saldrán defraudados.

Petróleo Sangriento (2007)

Las peliculas nominadas al oscar siguen siendo para el público una referencia. Y Petróleo sangriento tuvo nada más y nada menos que ocho nominaciones (Mejor Pelicula, Mejor Actor Protagónico, Mejor Director, Guión Adaptado, Edición, Dirección Artística, Mejor Edición de Sonido, Dirección de Fotografía) de las cuales terminó llevándose solo dos. 

El film nos sitúa en California a principios del siglo pasado y narra la historia de Daniel Plainview, un productor petrolero independiente que busca crecer en el negocio y en su ambición desmedida terminará distanciándose de su propio hijo.  

Paul Anderson Thomas es uno de los directores más originales y prolíficos que podemos encontrar hoy en el cine americano, con películas como Boogie Nights o Magnolia (sin dudas, su obra maestra) ha demostrado su gran talento como realizador. Sin embargo, su nuevo film está sobrevalorado en gran medida. Sus 158 minutos de duración son completamente innecesarios, la verdad que se podría haber acortado considerablemente el metraje. Aunque no termine nunca por aburrir -hay escenas memorables, que te despiertan, donde se lucen los actores principales-, sobre el final Petróleo sangriento se vuelve algo larga y tediosa, en gran parte porque la "historia" nunca termina de enganchar.

Protagoniza Daniel Day Lewis, quien se lleva todos los laureles con su personaje del codicioso Plainview y que le mereció un oscar de la academia.  Una sorpresa resultó ser su antagonista: el joven Paul Duno (Pequeña Miss Sunshine, Fast Food Nation) que interpreta al megalómano párroco Eli Sunday. Juntos tienen escenas de antología y solo por ellos dos merece ser visto el film.

La banda sonora merece comentario aparte: es deliberadamente molesta. Aún cuando las imágenes muestren otra cosa, la música no acompaña sino que busca intencionalmente incomodar, como si quisiera recordar en todo momento "miren que esto va termina mal".

Incluso en su título original There will be blood (Habrá sangre) hay un indicio de la verdadera intención del director con este film; el mensaje final de Anderson tal vez sea "Lo que mal empieza, mal termina". Pero en su ambición de transmitir un mensaje sobre la condición humana, la ética, la codicia y la familia se olvidó de contar una historia atractiva.

En resumen, una película muy interesante, con una excelente fotografía y producción (una reconstrucción de la época impecable) y magníficas interpretaciones, pero que se queda a mitad de camino. Basada en la novela Oil! de Upton Sinclair, la película parece más una Biopic del ficticio Plainview que un retrato del negocio petrolero de los años ´20. Porque la película es enteramente el personaje de Lewis y sus traumas, sus ambiciones y su soledad. 

 

Un novio para mi mujer (2008)

Una comedia liviana y muy entretenida del "nuevo cine argentino". No soy de los que encasillan a los films con este tipo de rótulos, pero en este caso vale la pena la aclaración: el cine argentino ha tenido vacíos y falencias con ciertos géneros -la comedia es uno-, y por suerte en los últimos años esto fue cambiando con nuevos talentos y nuevas propuestas. 

Un novio para mi mujer es el último film de Juan Taratuto, quien ya había explorado la comedia dramática y las relaciones de pareja en sus películas ¿Quién dice que es fácil? y No sos vos, soy yo. Y es notable ver cierta continuidad en su trabajo y el desarrollo de un estilo propio. Su trabajo como director es impecable, además de su acertado manejo del elenco.

Taratuto le saca provecho a la faceta más divertida de Adrian Suar y Valeria Bertuccelli. En mi opinión, ninguno de los dos son actores muy versátiles; más bien aportan su personalidad al papel que interpretan. Y en este caso, sus roles son más que acertados. Mención aparte merece el "Puma" Goity y su estrafalario personaje como el "cuervo" Flores... sencillamente genial.

El guión desarrolla muy bien las situaciones cotidianas, y destacan unos diálogos inteligentes y divertidos que roban más de una sonrisa, cuando el trasfondo de la historia es más bien dramático. Básicamente: el "tenso" (Suar) quiere dejar a su mujer, la "tana", que vive quejándose en todo momento (seguro el personaje más odioso en la carrera de Bertuccelli), pero no sabe cómo encararla. Entonces busca a un viejo seductor de barrio, el "cuervo" Flores (Goity), para que seduzca a su mujer y así, sea ella la quien lo abandone.

Es agradable ver la evolución del cine nacional con propuestas como esta. Una comedia simple y efectiva, pero no por eso fácil de realizar. El talento del director y del elenco, un guión bien construido y una banda sonora precisa hace de Un novio para mi mujer  una película amena y entretenida, que se puede recomendar sin miedo a todo el público.

The Fountain (2006)

Protagonizado por Hugh Jackman y Rachel Weisz, el film fue derecho a DVD (La fuente de la vida, fue su correcta traducción). Las sinopsis sobre The Fountain no son muy claras sobre la trama, en parte por la ausencia de tal (si, es una crítica!). Los primeros minutos pueden confundir porque nos muestran tres "momentos" o historias paralelas. Pero enseguida se esclarece cúal es el conflicto, se presentan los personajes y sus búsquedas: Tom es un cirujano veterinario -interpretado por Jackman, más versátil de lo esperado- obsesionado por la inminente muerte de su esposa izzy -una correcta Rachel Weisz-, que sufre de una enfermedad terminal.

Esa es toda la trama, no hay  mucho más desarrollo de la historia. Pero esta carencia está muy bien disimulada por unas imágenes de ensueño increíbles, por una dirección soberbia y unas actuaciones notables, la presencia en pantalla de los dos protagonistas es casi absoluta.

En paralelo vemos otras dos situaciones: una historia escrita por izzy ambientada en Latinoamérica, en época de la colonización española: Tomas debe buscar el "árbol de la vida" para la reina Isabel (si, otra vez Jackman  y Weisz). Por otro lado, lo vemos a Tom en otro estado de existencia, en una especie de burbuja esperando llegar a la estrella "Xibalba" para... morir y renacer? Claramente es todo una gran metáfora zen sobre la vida y la muerte. El tono existencialista del film está muy bien desarrollado y nos plantea un viaje introspectivo, donde tienen más peso las imágenes, los símbolos y algunos diálogos que la propia historia. 

Sorprende que el director y escritor sea Darren Aronofsky, porque el estilo del film está muy alejado a lo que vimos en Pi o Requiem for a dream. Aunque por momentos se vuelva repetitivo con algunas escenas, el tratamiento estético en The Fountain es muy personal y se nota.  Abundan los primeros planos y los plano detalles, los encuadres simétricos, los símbolos religiosos y guiños a otras culturas.

 

The Fountain es una propuesta original y arriesgada, de las que no abundan. Seguramente no es para todo el público, pero para quien busque algo diferente: no la dejen pasar. No esperen vértigo y giros argumentales, el film va por otro lado. La intención y el mensaje de Aronofsky es claro, tal vez redundante. Pero aún con sus falencias, el director logra crear un cine de autor que hace de la experiencia cinematográfica un hecho artístico particularmente gratificante; verdadera poesía en movimiento.

The signal (2007)

The Signal es un film independiente de horror, narrado en tres capítulos, cada uno por un director diferente. ¿De qué trata? Básicamente, una extraña transmisión invade todos los artefactos electrónicos: a través de la radio, los teléfonos y la televisión, la gente expuesta a esta señal se vuelve violenta y homicida. Los personajes principales son pocos, y la historia gira entorno a ellos y a como viven este incidente (dicen que la trama es muy similar a la que cuenta Stephen King en "Cell", novela que desconozco).

La propuesta suena a repetida, a otro film apocalíptico con zombies asesinos, pero este no es el caso. Los realizadores se las rebuscaron para darle un enfoque diferente a una fórmula muy vista estos últimos años. De hecho, las personas expuestas a la señal no se convierten en "zombies" sino en psicópatas y que fácilmente se mezclan con la gente "no afectada". Esto desencadena el caos y la paranoia general.

La verdad, viendo la gente agrediendose, matándose sin motivo, todos mirando como estúpidos los colores hipnóticos que emite la televisión, desconfiando unos de otros ... me dió la sensación de que no estamos tan lejos de la realidad que plantea la película, porque todo eso que muestra ya está pasando! Aunque se lea muy entre líneas, la crítica está presente. Claro que el film no se toma muy en serio y logra mezclar, en equlibradas dosis, horror y comedia negra (presten atención a la escena de la "fiesta").

Los tres capítulos nos muestran el punto de vista de los tres personajes principales. Tal vez el menos logrado sea el último. Pero su ritmo dinámico hace que la historia no decaiga nunca.

El elenco no es muy conocido pero todos están muy bien, tal vez quien más sobresalga por su papel sea quien hace de "Lewis".

The signal nos muestra como con pocos recursos se puede lograr un producto digno, entretenido y original; realmente resultó una grata sorpresa. Sangrienta, cínica, violenta, divertida. Aún con los defectos que pueda tener, el film no tiene grandes pretensiones y sale muy bien parado.

Star Wars: the Clone Wars (2008)

Apenas me enteré de este film y su realización, me pregunté ¿qué nos puede contar George Lucas sobre las guerras clónicas que no sepamos, o mejor dicho, que nos pueda interesar? No es tarea fácil desarrollar una trama innovadora y atrapante cuando todos sabemos como termina este conflicto. Y mis dudas eran justificadas, porque The Clone Wars no es más que un entretenimiento barato, totalmente intrascendente.

La película sirve como introducción a una serie, también realizada en 3D, que será emitida por Cartoon Network y desarrollará aún más historias situadas en las guerras clónicas. De hecho, este film no es otra cosa que un capítulo extendido, que cuenta una historia chiquita dentro de este contexto. La trama se centra en el rapto del hijo de Jabba the Hut, quien pedirá ayuda a los jedi para que intervengan. Obi-Wan Kenobi y Anakin Skywalker serán los encargados de la misión.

La incursión de un nuevo personaje como Ashoka, no solo no aporta nada, sino que es ridículo. La niña, que aspira a ser jedi, es designada -en plena guerra- como Padawan de Anakin, y juntos pelean codo a codo contra el ejercito separatista.

Por otro lado, dentro del complot macabro urdido por las fuerzas oscuras, aprarece la sith Assaj Ventress, un personaje terriblemente desaprovechado. Empiezan a aparecer algunos problemas de continuidad, ya que su aparición se contradice con lo visto en la serie animada del 2003 (donde moría en un enfrentamiento contra Anakin, quien aún no había sido nombrado Jedi).

El film es visualmente impactante, con escenas de batallas muy bien logradas. Pero estos atributos no logran sostener una trama aburrida y poco atractiva (muchos capítulos de la serie animada de Gendy Tartakovsky la superan ampliamente en este sentido). No la recomiendo para quien no sea seguidor de Star Wars -aunque sospecho que los más fanáticos serán los más decepcionados-.

Clone Wars Animated (2003-2005)

Cuando me enteré del nuevo film animado de Star Wars tuve una fuerte sensación de "deja vu". ¿Por qué Gorge Lucas insiste una y otra vez en contar siempre la misma historia? Como seguidor de la saga espero que se desarrollen otros momentos de la historia nunca antes explorados: los orígenes de los Sith y los Jedi, la continuación del episodio VI o incluso el vacío que hay entre el episodio III y el IV. Esto sí se vió en el universo expandido, en comics y libros e incluso en juegos, pero todavía permanece virgen en cine.

Por esta razón, revisité la serie de TV que vimos hace unos años por Cartoon Network y que nos introducía de lleno en lo que fueron "las guerras clónicas". Esta serie constaba de unos 25 episodios de animación 2D y se lanzó durante el 2003 hasta el 2005 -justo entre el episodio II y III- en capítulos de 3 a 15 minutos de duración. El realizador fue Genndy Tartakovsky (Samurai Jack, Laboratorio de Dexter) que hizo un gran trabajo adaptando la saga a dibujos para TV sumamente sintéticos. La serie se puede dividir en 2 temporadas:

TEMPORADA 1
En estos primeros episodios vemos a Mace windu, yoda, Obi-wan y otros caballeros Jedi comandando sus ejércitos en diferentes planetas. Las batallas que se muestran son totalmente intrascendentes a la gran historia de las películas. Aunque hay algunos hechos interesantes para resaltar:
- El templo del planeta helado illum, donde se esconden los cristales usados en las espadas laser es atacado por el conde Dooku.
- Anakin enfrenta a Assaj Ventress, una discípula de los sith especialmente enviada para matarlo.
- Introducción del general Greivous, un droide que maneja espadas láser y personaje escencial en el episodio III.

TEMPORADA 2

Más cercanos a la trama del episodio III, estos capitulos nos muestran un Anakin más adulto y que va delineando su carácter definitivo. Algunos hechos para remarcar:
- Anakin, hasta entonces padawan, es nombrado Caballero Jedi.
- La misión de Obi-wan y Anakin en un recóndito planeta, y que llevará a Skywalker a ver sus propios demonios.
- El ataque a Coruscant y el rapto del canciller Palpatine.

Así, el final de la serie sirve como perfecta introducción al comienzo del episodio III.

El resultado es una serie interesante, liviana y entretenida, aunque no imprescindible; pero que ahonda un poco más en la historia de las películas. Mi pregunta es ¿qué tanto más puede ahondar Lucas la historia en la nueva Star Wars: the clone wars?

Wanted (2008)

Wanted es una excelente película de acción para disfrutar en el cine. Es entretenimiento en estado puro, quien vaya a verla deberá estar bien predispuesto para pasar un buen rato y nada más que eso (y nada menos!). Es lo que el film ofrece, y es lo que ya se podía anticipar por los avances.

La historia nos presenta a Wesley Gibson, un mediocre empleado de oficina con una vida más que rutinaria,  humillado por su jefa y por su novia que lo engaña con su mejor amigo. Hasta que lo reclutan de una organización de asesinos -La Fraternidad- que lo entrenará para suceder el puesto de su fallecido padre, y le dará la oportunidad de vengar su muerte.

El elenco está muy bien formado por el prócer Morgan Freeman, al mando de La Fraternidad, Angelina Jolie como la sensual asesina "Fox" y la revelación: James McAvoy como Wesley; quien ya venía con muy buenos trabajos en películas de corte dramático como "El último rey de Escocia" y "Expiación, deseo y pecado" y que sorprende gratamente con este papel de acción.

El director ruso - que yo desconozco- hizo un interesante manejo de las cámaras, con un ritmo frenético y una profunda estética de videoclip. Es inevitable la comparación, por algunos usos del zoom y la cámara lenta recuerdan a Matrix y otras películas similares.

El film no tiene grandes pretensiones y tiene la virtud de no tomarse muy en serio. No solo con las escenas de acción sino con momentos de comedia realmente hilarantes que seguro te roban una sonrisa. Además, ya en los primeros minutos queda claro que el grado de realismo es nulo cuando vemos a un asesino de La Fraternidad saltando a los tiros de un edificio a otro. Incluso en el trailer ya podía verse como curvan las balas o le vuelan las alas a las moscas a los tiros! (aquel espectador que critique su falta de "verosimilitud" no solo eligió mal sino que no entendió el tono deliberadamente absurdo y exagerado del film).

Con todas las falencias que pueda tener, Wanted cumple 100% su objetivo de entretener al espectador. Vas a ver disparos y tiroteos en grandes dosis, persecuciones, peleas y mucho más. Las sorpresas que guarda la trama son suficientes para cerrar un film pochoclero y divertido, con un final muy violento y que cumplió todas mis expectativas. Para disfrutar en el cine.

Wanted, el comic. Una acotación aparte: el film se inspiró en el comic original de Mark Millar y J.G. Jones y que nada tiene que ver con la historia que nos cuenta la película. El comienzo se respetó en gran medida, pero en el comic muchos elementos de la trama son completamente diferentes: La Fraternidad es una organización de "super villanos" completamente desalmados. El propio Wesley es convertido en un asesino que disfruta violando y matando gente al azar. Además la estética de la historieta es propia del género de superheroes, con trajes ridículos, máscaras y personajes mutantes y monstruosos que en el film, por suerte, se dejaron de lado (aunque el film conservó el concepto de la "habilidad sobrehumana" de Wesley y que lo hace especial y único). El "telar del destino" no existe en el comic, por ejemplo, y es parte escencial en la trama de la película. De todas formas, la miniserie de Millar es completamente original y políticamente incorrecta, una historia realmente ácida y corrosiva que vale la pena conocer.

Donnie Brasco (1997)

Donnie Brasco cuenta la historia real de un agente encubierto del FBI que logra infiltrarse en la mafia. Su trabajo lo llevará al límite, al punto de identificarse más con la misma mafia que con su propia familia, a la que no puede dedicarle tiempo.

Extrañamente el film no es tan conocido a pesar de estar protagonizado por dos figuras como son Johnny Depp (Donnie Brasco / Joe Pistone) y Al Pacino ("Lefty" Ruggiero), quienes realizan una gran labor. También se luce Michel Madsen con el papel de un mafioso ultra-violento, no muy lejano al Mr. Blonde que pudimos ver en Reservoir Dogs (1992).

El director Mike Newell (Love in the Time of Cholera) logra una película pareja, concisa. Donde se desarrolla una historia de mafiosos italianos al estilo más clásico - las escenas de tiros y violencia son pocas pero están muy bien resultas-, y paralelamente vemos el drama del agente Pistone, cuya entrega a la vida criminal lo llevará a una profunda crisis de identidad. "No me estoy volviendo uno de ellos. Soy ellos" dice en un momento el personaje de Depp a su esposa. Al pacino por su lado, no se repite haciendo de nuevo de "Corleone" sino que  intrepreta a un mafioso de poca monta -más humano y más querible - que espera pacientemente su momento para ascender en la cadena de mando.

No es la primera ni la única película de "agentes encubiertos", pero es una historia que vale la pena conocer; y el que esté basada en hechos reales la dota de otra profundidad. Y por supuesto, quienes gusten de los films de mafiosos no se la pueden perder.

UPA! Una Película Argentina (2007)

Premiada en la última edición del BAFICI, esta película cuenta "la historia de un director, una productora y una actriz que se unen para filmar su primera película, lo cual genera una serie de conflictos, muchas peleas y sobre todo un gran esfuerzo".

El film, realizado en video digital, simula ser un documental, la cámara se mueve todo el tiempo, los personajes quedan fuera de foco y estos detalles dotan a UPA de un gran realismo. Pero no solo por el tratamiento de la cámara sino también por las excelentes actuaciones. La composición de los personajes es genial, todos son muy verosímiles. (Ojo! esto no es "Mundo Grua", el realismo no le quita ritmo narrativo al film que no decae y se deja ver sin que te duermas),

Contrario a lo que esperaba, la trama no se centra en lo difícil que es hacer cine en la argentina. Sino que, en un desarrollo muy inteligente de los personajes y sus relaciones, nos muestra como es difícil hacer cine... entre argentinos! No catalogaría al film dentro del género "comedia" pero seguro te va a sacar más de una sonrisa. Y muchas veces esa sonrisa llegará por los nervios, porque en su tono cínico y crítico -que es evidente- es muy fácil reconocerse e identificarse con muchas de las situaciones que muestra, y que no son exclusivas del mundo del cine (claro, quienes conozcan este ámbito cinematográfico seguro se verán reflejados en muchos casos).

El gran acierto de este film independiente -además de reírse de sí mismo y del "cine independiente nacional"- fue el de mostrar las miserias humanas en su máxima expresión. Pero no de una manera dramática y derrotista, sino como algo cotidiano y que es común a todos. La hipocresía, la egolatría, la soledad. Y sobre el final una excelente escena de tensión, una sola toma nos muestra una discusión que se sostiene con una labor actoral formidable. 

UPA tal vez no sea para "el gran público", pero es una propuesta diferente. Amena, entretenida, original. Muy recomendable.

Wall-E (2008)

PIXAR lo volvió a hacer, de alguna manera año tras año lo logra. Volvió a crear una película de animación de excelente calidad visual, con personajes entrañables y una historia emotiva. El film despliega una imaginación sin límites, y sorprende con un guión simple pero profundo.

Wall-E es un robot que recolecta y apila basura, es lo único que ha hecho durante cientos y cientos de años. Es el último robot en funcionamiento en el planeta, todos se han ido. La tierra está deshabitada. Hasta que llega EVE, una robot que busca vida vegetal entre tantas toneladas de basura. Wall-E se enamora y juntos emprenderán un viaje insólito a través del espacio y que definirá el destino de la humanidad.

Habiendo visto el trailer, realmente no sabía que esperar. Pero la película superó todas mis expectativas. La calidad que logró PIXAR con la animación digital es insuperable. Incluso se ven pequeñas escenas con actores reales muy bien insertadas en la trama (fíjense en la publicidad de AXIOM, que ofrece cruceros espaciales de alto confort... para escapar de la alta toxicidad de la Tierra!). El director y guionista a cargo de esta joyita no es otro que Andrew Stanton (Buscando a Nemo), una de las figuras más sobresalientes de PIXAR y que ha participado como escritor, productor y director en varios films de este estudio de animación.

Los chicos que vean Wall-E disfrutarán de la historia de amor de los robots y de los simpáticos personajes que nunca faltan (la cucaracha, los robots fallados, etc,). Y los adultos, también podrán disfrutar de una excelente película de ciencia ficción que no tiene nada que envidiarle a clásicos del género (de hecho, hay un pequeño y gracioso homenaje a 2001: A Space Odissey), aunque los elementos metafísicos y apocalípticos del film estén bien disfrazados. Porque detrás de la comicidad y la ternura de Wall-E hay una terrible crítica a nuestra sociedad posmodernista. Tal vez sobre el final, el tono moralista del film sea demasiado evidente, pero no deja de ser válido. Hay un mensaje claro sobre nuestro futuro y el de nuestros hijos, y sobre el futuro del planeta Tierra, que invita a la reflexión. 

Una obra maestra para todo público que no se puede dejar pasar.

Los expedientes secretos X: Quiero creer (2008)

Una vuelta muy esperada para los fanáticos de la serie; tan solo otro thriller sobrenatural para quienes no la conozcan. El film es un regreso bastante tímido para ser la continuación de una de las series más aclamadas e influyentes de la última década. Durante 1992 y 2002 marcó un hito en la televisión norteamericana (y si se quiere, en todo el mundo).

Sin embargo, la historia que nos cuentan es bastante chiquita con respecto a los eventos apocalípticos de la serie, con abducciones, aliens y terribles conspiraciones gubernamentales. El film encara, en cambio, un caso de mujeres desaparecidas que vuelve a reunir a Mulder y Scully muchos años después, ya alejados del FBI. En principio el único elemento "sobrenatural" es un ex-cura con extrañas visiones que guiarán al FBI en los primeros pasos de su investigación.

El director y guionista no es otro que el creador de la serie, Chris Carter. Y en los roles principales vuelven David Duchovny y Gillian Anderson.

Evidentemente quisieron abarcar al gran público y dejar de lado una trama más cerrada que hubiera dejado afuera a quienes no vieron la serie. Aunque los guiños para los fanáticos existen, por ejemplo se hacen varias referencias al traumático pasado de los personajes (el hijo que tuvieron, la hermana abducida de Mulder, entre muchos otros).

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El film es basicamente un episodio autoconclusivo de larga duración, con estructura de policial. Aunque con un tono más oscuro y opresivo nunca visto en televisión (tenemos a curas pedófilos, mutilaciones y aberraciones científicas varias, entre otras cosas). Además el film plantea dilemas éticos y morales, vemos las posturas de los protagonistas, su fe en la ciencia o en Dios... y otro tipo de debates que nada tienen que ver con la ciencia ficción.

Así que la nueva X-files se disfruta como un thriller más con elementos paranormales y con escenas de suspenso bien logradas. Pero supongo que para los seguidores más fieles va a ser una decepción. El argumento del film no retoma el hilo argumental de la serie, cuyo último capítulo dejaba una puerta abierta para otra clase de continuación. Como consuelo tenemos a Mulder y Scully de vuelta, tal vez el único acierto en este sentido, y que sí da continuidad a la serie: la relación de los protagonistas. Su eterno encuentro y desencuentro, la fe ciega de él a lo inexplicable y la lógica cientifica de ella. Y ya no hay más "histeriqueo", ya están grandes y todas las cosas que vivieron juntos se resumen inteligentemente en una breve pero lograda escena de intimidad.

Si hay secuela, esperemos que logren un guión más jugado, más complejo, y que devuelva la franquicia a la ciencia ficción más paranóica que es lo que hizo grande a la serie.

Más extraño que la ficción (2006)

Will Ferrel es el arquetipo del actor encasillado siempre en el mismo papel: desde sus comienzos en Saturday Night Live pasando por todas sus películas. Con comedias tontas como Una noche en el Ruxbury (1998) hasta la fallida remake de Hechizada (2005), este comediante siempre hizo de payaso o de tonto, o las dos cosas juntas. En Stranger than fiction sorprende para bien con un personaje bastante diferente a lo que nos tenía acostumbrados. Interpreta a Harold Crick, un aburrido auditor de rentas e impuestos atrapado en la rutina, hasta que un día empieza a escuchar la voz de una escritora en su cabeza narrando cada una de las cosas que hace. Su vida de rutina, soledad y números está siendo escrita por otra persona, y es persona piensa matarlo!

El papel es perfecto para él, realmente supo componer un personaje soso e inexpresivo pero muy querible. El resto del reparto es impecable: Maggie Gyllenhaal -está excelente como la pastelera que enamora al protagonista-, Dustin Hoffman -que se lleva los mejores diálogos intentando guiar y ayudar a Harold, realmente delirantes- y Emma Thompson como la escritora en cuestión -fumadora compulsiva, huraña, que busca inspiración en los lugares menos pensados-, se come la película.

El director Marc Forster (Finding Neverland, 007 Quantum of solace) supo contar una historia entretenida y muy original, que mezcla sabiamente elementos fantásticos, dramáticos y también de comedia. Cada detalle de cada personaje, cada toma, cada palabra... todo está puesto conscientemente para que sobre el final todo cierre perfecto. Forster supo también manejar la ambivalencia entre el absurdo y el drama en un guión bastante inusual y que se podría haber caído en cualquier momento, sin embargo el resultado no pudo ser mejor. Además, el argumento juega mucho con lo que uno como espectador espera que pase, los giros argumentales, los finales trágicos, la relación de los personajes: todo forma parte de la vida de Harold que es, también, una novela.

Un film que no tiene desperdicio. Divertido, emotivo y muchas cosas más. Un paseo de escenas ocurrentes y momentos que te divierten y te roban una lágrima por igual.

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Una nota aparte como diseñador: los motion graphics que se usaron en la película suman mucho al argumento y a la estética del film. Están perfectamente plantados y resaltan la afinidad del personaje por los números, su obsesión por contar todo y el elemento "tiempo" que también tiene mucho peso en la trama. Pero sobre todo hacen una experiencia visual mucho más atractiva. Es solo un detalle, pero es raro que esto no se vea tan seguido en otros films. Sin duda, un punto más a favor de esta cinta.

Los dueños de la noche (2007)

El film abre con fotos reales en blanco y negro del departamento de policia de New York en los años ochenta. Esto enmarca la historia por venir y la dota de cierta verosimilitud. Cómo es la historia? Es 1988, Bobby Green (Joaquin Phoenix) está viviendo sus días de gloria, de fiesta en fiesta con sus amigos, jugando al pocker, drogandose. Tiene una novia hermosa que lo ama (encarnada por Eva Mendes) y además, está a cargo de un boliche nocturno de Brookllyn sumamente concurrido. Lo que nadie sabe es que el hermano (Mark Walbergh) y el padre (Robert Duvall) de Bobby son policias y están por declararle la guerra al narcotráfico. Bobby quedará en el medio y deberá elegir bando.
El director y escritor James Wray nos brinda un policial atrapante y bien contruído, de tensión creciente, donde las relaciones familiares cobran una carga dramática que se convierten en el eje del argumento. Un acierto del director fue mostrarnos en primera persona lo que ve y siente el protagonista. El personaje de Phoenix sufre una gran trasnformación a lo largo del film y está llevado de tal forma que me resultó creíble, el conflicto lo llevará a tomar decisiones drásticas que, uno intuye, tendrán consecuencias trágicas. El reparto y las actuaciones son muy buenas, solo puedo criticar la elección de Robert Duvall un poco avejentado para su papel como capitán de policia, pero el resto está exceltente.
El título original "We own the night" está tomado del slogan de una división antinarcóticos que existió a fines de los ochenta en el NYPD. La ambientación de aquella época, los escenarios, el vestuario y la música de fondo ayudan a una reconstrucción muy bien resuelta por parte del director.
Un film interesante para quienes gusten de un buen policial, con momentos de tensión y tiros, pero también buenas dosis de drama.

Hancock (2008)

Es al menos curioso el fenómeno de las películas de superheroes, tan explotadas en estos años. Para empezar, es una producto exclusivamente estadounidense. Plagado de elementos típicos del género como los superpoderes, los trajes y máscaras, las dobles identidades, los archienemigos, etc. Hancock viene a formar parte de un extraño subgénero donde se fusionan los superheoroes con el humor, aunque en este caso la fusión de géneros no de los mejores resultados. Tenemos antecedentes interesantes como Mystery Men (1999) con Ben Stiller o My super ex-girlfriend (2006), una comedia bien resuelta con Uma Thurman como la neurótica superheroína "G-girl".

El personaje de Hancock (Will Smith) es raro, inusual. Es un vago insoportable, alcohólico y con superpoderes. Pero no es un superheroe, la gente lo odia. Un ejecutivo de relaciones públicas lo ayudará a cambiar su imagen. Esta primera parte no está mal pero sobre el final el film pierde el rumbo. Porque Hancock es una pelicula de acción, con intentos de comedia y por momentos pierde identidad al no terminar de definir su estilo. Toma, como es evidente, muchos elementos de la mitología superheroica pero sin plantarse definitivamente en la parodia.

El guión tiene sus aciertos pero también muchos baches. La explicación para los poderes de Hancock simplemente no cierra, muy rebuscada. Y los villanos del film son paupérrimos, entre otros detalles.

El director Peter Berg (Smokin Aces, The Kingdom) no podemos decir que sea muy regular en sus trabajos, está haciendo un gran esfuerzo por hacerse notar, parece. Las escenas de acción son su fuerte porque están excelentes. Técnicamente es impecable y se nota que está mejorando, pero en esta ocasión no supo cerrar la película como merecía.

Así que el film se disfruta, entretiene en gran medida pero deja la impresión de haberse quedado a mitad de camino. Una idea original pero mal resuelta. Incluso el desenlace deja abierta la puerta para una secuela que, seguramente, nunca llegará.

Watchmen Teaser

A casi un año para su estreno en cines, la película de Watchmen ya tiene teaser oficial (y uno que muestra bastante, por cierto) como para mitigar el hambre de los fanáticos. Un film muy esperado por comiqueros ya que se trata de la adaptación de una de las historietas más influyentes de las últimas décadas.

Aquí pueden encontrar unas comparaciones interesantes de tomas del teaser e ilustraciones del comic.

Un buen año (2006)

¿Qué tienen en común Blade Runner, Alien, Gladiador y la reciente Gángster Americano? Por supuesto, su director es Ridley Scott. Pueden imaginarlo acaso realizando una comedia romántica? yo no, por eso me llevé una buena sorpresa con A good Year. 

El film nos cuenta de un corredor de bolsa, competitivo y adicto al trabajo, que tras heredar las tierras -con viñedos incluidos- de su fallecido tío, se traslada a Francia para vender y deshacerse rápidamente de la propiedad. Sus planes se complicaran, como se imaginan.

Protagoniza un siempre correcto Russel Crowe, como el irritante pero simpático Max Skinner, y la hermosa Marion Cotillard, actriz francesa que se llevó el oscar por su papel de Edith Piaf en La vida en rosa.

El tono de la película es el usual para las comedias románticas, con algunos enredos y situaciones divertidas. La relación de Max con el viticultor (el vino ocupa un lugar importante en el relato) es particularmente graciosa y el resto de los personajes aportan también su cuota de humor. Aunque el film no se queda en los lugares comunes de este género; de hecho, la historia de amor es solo una parte de la trama.

La película nos muestra como un yuppie alienado por su trabajo de Londres, vuelve al lugar donde pasó su infancia, a reencontrarse con sus raíces. La mano maestra del director supo combinar acertadamente la comedia con el drama presente en la nostalgia del protagonista, el pasado que vuelve a cada instante con las visiones de su tío (el bonachón Albert Finney) y que lo hacen replantearse su vida, su identidad.

Una comedia liviana y entretenida, bien resuelta por Ridley Scott, en un film atípico para su carrera.

Following (1998)

La filmografía de Christopher Nolan está plagada de éxitos. Desde la última franquicia del hombre murciélago hasta esa joyita que lo hizo famoso llamada Memento (2000). Simplemente no puede ser coincidencia esa seguidilla de aciertos, en cada una sus películas demostró un talento nato para contar buenas historias. 

Y esto lo confirma su opera prima. Justo antes de hacerse conocido y de acaparar elogios de crítica y público, Nolan escribió y dirigió este pequeño film independiente de bajísimo presupuesto (porque será que siempre son en blanco y negro?!) donde da muestras de todo su potencial. 

Trata sobre un joven escritor que empieza a seguir a las personas al azar y, como se imaginan, termina cruzándose con gente que lo llevará por mal camino. Es, sobre todo, un film de misterio narrado al mejor estilo Nolan. Su forma de desarmar las escenas es magnifica, la historia está inteligentemente fragmentada y todo cobra sentido sobre el desenlace. Su estructura argumental anticipa un poco lo que haría años después con The Prestige (2006), otro excelente film de suspenso (y magia, claro) con sorpresas y giros argumentales.

Seguramente se le puede hacer más de una crítica. Las actuaciones son tirando a flojas, por ejemplo. Pero la verdadera estrella está detrás de cámara. Al ver Following es difícil imaginar al mismo director a cargo de una mega-producción multimillonaria como es The Dark Knight; demuestra como con solo 2 pesos, creatividad y talento se puede conseguir un producto más que digno. Y eso es para aplaudir.

Hacia las rutas salvajes (2007)

Into the wild narra el inusual viaje que emprendió Christopher McCandles en 1990 y que lo llevó durante 2 años a través de varios estados de USA hasta Alaska, fin de su recorrido. Después de terminar sus estudios universitarios, el joven dejó todo para lanzarse a las rutas, desapareciendo sin avisar, rompiendo sus documentos y hasta donando todos los ahorros que tenía.
Un trabajo impecable de Sean Penn como director y productor del film. Es genial la forma en que desarmó la historia para volver a armarla de manera original y cautivante, juntando retazos de escritos de Christopher, innumerables citas literarias, la voz en OFF de su hermana y en constantes flashbacks y flashfowards. Así, se va develando los motivos del protagonista, su búsqueda incesante y poco a poco iremos descubriendo su visión (la del Christopher real, y también la de Sean Penn).
Me sorprendió la cantidad de locaciones que se usaron, es muy extensa y en los créditos finales se mencionan. La fotografía sorprende con imágenes imponentes y paisajes deslumbrantes. Aunque las escenas que muestran el "contacto con la naturaleza" son muchas y a veces le juega en contra a la película, pero el ritmo decae pocas veces y se pueden llevar bien los 140 minutos de metraje.
El reparto cuenta con varias figuras pero Emile Hirsch (Meteoro) merece un destacado aparte, solo por el arduo trabajo que seguramente requirió este papel tiene mi respeto. La verdad es que está perfecto en un rol protagónico lleno de matices y nada fácil de interpretar.
A lo largo del viaje veremos personajes entrañables, muy humanos. Con momentos trascendentales, pero también con momentos "pequeños" o cotidianos (hay una escena de pelea familiar muy verosímil) que visto desde otro ángulo son muy importantes. Realmente el film busca tocar la fibra sensible del espectador y en mi caso, lo logra. Y pesa tremendamente saber que todo está basado en hechos reales.
Una historia que merecía ser contada y Penn le puso un gran empeño para desarrollarla. Sin dudas, vale la pena acercarse a este film.

Reyes de la calle (2008)

Cada tanto aparecen películas como Street Kings, dentro del género policial y que a los yanquis tan bien le salen. Es difícil entender de qué se trata con la sinopsis porque al principio no se entiende para qué lado irá la historia. Básicamente, un policía de dudosa moralidad se ve implicado en la muerte de uno de sus compañeros, esto desencadena una serie de eventos que lo harán investigar el caso. Pero hay varios elementos, personajes y situaciones que conviene ir descubriendo a medida que se ve el film.

Protagoniza Kenau Reeves en uno de los títulos más violentos de su carrera y cumple muy bien como el detective Ludlow, un policía traumado por la muerte de su esposa y que cumple su trabajo rompiendo algunas reglas. "Somos la policía. Podemos hacer lo que queramos." dice en un momento y esto define gran parte del concepto del film. Realmente son los reyes de la calle porque ellos son la ley, no importa la verdad sino lo que diga el informe policial. Cualquier cosa se puede dibujar porque el fin justifica los medios. La pregunta es: cuando se rompen las reglas ¿dónde está el límite? ¿y quién pone ese límite?

Todo está podrido y el ambiente hostil de Los Angeles termina de darle ese tono cínico y opresivo a la cinta, con sus policías corruptos, el crisol de comunidades de latinos y negros, narcotraficantes, prostitutas... todo bajo un sol californiano testigo de una violencia brutal y cotidiana.

Un thriller interesante y bien resuelto, con intriga policial y muchos tiros, donde los buenos no son tan buenos y los malos son malísimos. Toca los usuales tópicos del género y no decepcionará a quienes gusten de este género en particular.

Eyes Wide Shut (1999)

Hace casi 10 años este film significó el regreso al cine (cine con letras mayúsculas) de Stanley Kubrick. También significó el trabajo conjunto del entonces famosísimo matrimonio de estrellas formado por Tom Cruise y Nicole Kidman en los roles principales. 

Abundan en esta película los primeros planos, los desnudos explícitos y los diálogos sugerentes. La historia nos muestra al Dr. Bill Harford y su vida familiar de alta sociedad, su matrimonio algo rutinario y apático. Y el abismo de dudas morales que se abre ante él en tan solo una noche, un submundo lleno de revelaciones y de tentaciones (infidelidad, prostitución y hasta... una secta secreta!) al alcance de las manos que traerá una pequeña crisis a su mundo.

El ritmo de Kubrick nada tiene que ver con el vértigo de Hollywood, su cámara no tiene apuro y le da lugar al desarrollo de los diálogos. Cruise y Kidman se lucen en escenas intimistas de tomas largas y planos cerrados. Aunque con menos minutos en pantalla, la solvencia actoral de ella la deja mejor parada. 

La introducción es algo lenta pero una vez presentados los personajes el film toma fuerza, el drama da lugar al suspenso y te mantiene atrapado hasta el final. Aunque, como decíamos antes, lo más importante nunca se muestra sino que se insinúa. Los celos, la promiscuidad, las fantasías sexuales y los límites que nunca deberían cruzarse son reflejados en forma magistral.

El resultado final es una interesante propuesta que plantea diversos niveles de interpretación, y que invita a una reflexión profunda sobre la hipocresía, la neurosis y los miedos de la vida en pareja en la sociedad moderna (ah, y fíjense la sutileza del afiche de la película que cobra nuevo significado una vez visto el film: Cruise besando con ojos cerrados a Kidman y ella mirando de reojo a otro lado).

Kung Fu Panda (2008)

¿Qué pasaría si a una típica película de animación con animalitos parlantes le sumamos la acción de un film de artes marciales y le agregamos, además, el humor más delirante de Jack Black? El resultado, señores, es Kung Fu Panda. Divertida, hilarante y con excelentes escenas de pelea. No podemos decir que sea un producto original, pero... acaso hace falta?
La combinación de fórmulas ya exitosas logran un film redondo por donde se lo mire, y suman mucho las voces de figuras como Dustin Hoffman o Angelina Jolie. Pero es la presencia de Jack Black como el Panda Po que termina de darle forma al todo. Ya en los primeros segundos se luce con el carisma que lo caracteriza y la verdad, se come al personaje al punto de qué es impensable la película sin él. Quién pueda ver la versión original sin doblar, no se la pierda porque no tiene ningún desperdicio, especialmente si disfrutás de este actor cómico y su particular humor.
La historia es simple: una leyenda ancestral habla de la llegada de un "guerrero Dragón" que traerá paz al valle y ese momento es ansiado por todos, incluso por el maestro Shifu y sus cinco alumnos. Adivinan quién puede ser ese guerrero? mmm. Tai Lung es el diabólico villano de turno (presten atención a la escena donde escapa de prisión, es excelente).

DOS ESTILOS PARA ELEGIR

En los últimos años, Pixar y DreamWorks han terminado de deliniar la línea estética y conceptual de sus películas. Mientras que la primera se lanza con productos más jugados, aparentemente para chicos pero apuntado a un público adulto que pueda "leer entre líneas" (Los increíbles o Ratatouille son claros ejemplos de films "vendibles", para toda la familia, pero con diversos grados de lectura que suelen dejar de lado a los más chicos); la segunda se caracteriza por un cine ATP y un humor más simple y directo. En ambos estudios, el grado de calidad en la animación sigue mejorando año tras año, ya ni vale la pena mencionarlo. Y no pueden faltar, en ningún caso, el habitual merchandising y los muñecos de la "cajita feliz".

Pero olvidemos las comparaciones, porque en este caso las diferencias de las propuestas son evidentes: un robot chatarrero de un futuro lejano y un Panda torpe y gordo que quiere estudiar Kung Fu... usted elige! Todavía no vi Wall-E, pero quedé muy conforme con lo nuevo de DreamWorks, que luego de currar tres temporadas seguidas con su "ogro tira-eructos", volvió a pegarla con este divertido film para grandes y chicos. Muy recomendable, para disfrutar en el cine con pop-corn y gaseosa.

Clerks (1994)

En 1994 aparece en escena un personaje poco convencional: Kevin Smith. Director, productor, escritor y guionista de comics. Con Clerks, su primer largometraje, demuestra todo su talento para contar una historia simple con pocos recursos. En esta presenta muchos de los personajes que volverá a usar en futuros proyectos, tal vez los más reconocidos sean la inseparable dupla Jay y Silent Bob (interpretado por el propio Smith).

La película muestra un típico día en la vida de Dante y Randal, dos jóvenes empleados de un supermarket  y un videoclub respectivamente. Somos testigos de su rutina diaria y de una sucesión de eventos que, cuales sketches en un programa cómico de tv, buscan hacernos reír. Los chistes son vulgares y tontos, a veces, solo gags que no aportan nada al argumento pero justamente eso es lo que buscan ser. Claro que en el fondo existe una historia y ¿acaso también un mensaje, una crítica sobre el grado de mediocridad y conformismo al que puede llegar el ser humano?

No lo sé, pero lo cierto es que el verdadero estilo personal de Kevin Smith se ve reflejado en los diálogos que son geniales; muy mordaces y llenos de malas palabras, y llegan a ser tan banales como profundos. Es su marca de fábrica y es lo que caracteriza toda su obra. Podemos presenciar por igual debates de Star Wars, sexo, superheroes y todo tipo de análisis de usos y costumbres de las personas en, por ejemplo, un supermercado.

Este realizador ha ganado numerosos premios y cuenta con un público fiel que está atento a todos los guiños de sus películas. Lejos de ser una obra maestra, Clerks se disfruta como lo que es: un film independiente sin grandes pretensiones pero resuelto originalmente, una comedia liviana, una bocanada de aire fresco.

El exorcismo de Emily Rose (2005)

La película se centra en el jucio contra el cura que realizó exorcismo, acusado de negligencia al resultar muerta Emily Rose. En un acierto del guión, la historia se completa con flashbacks y testimonios de profesionales, conocidos y familiares de la víctima y testigos que estuvieron presentes en el propio exorcismo.

Un buen film de terror pero originalmente encarado desde otro ángulo. Desde el juicio, todo se ve más verosímil y se pone en balanza tantos los aspectos científicos como religiosos para un hecho aparentemente sobrenatural. Los momentos de tensión y horror son geniales, realmente te hacen pegar un salto del susto.

Para destacar: la desconocida Jennifer Carpenter (Emily Rose) está excelente en su interpretación. Sus contornsiones y sus expresiones durante la posesión demoníaca te ponen la piel de gallina. Ya conocemos a Tom Wilkinson (Padre Moore) que cumple como siempre. 

REALIDAD Y FICCIÓN

Lo más escalofriante de esta historia, es que está basada en hechos reales (aunque los acontecimientos y personajes fueron bastante diferentes). Emily Rose fue en realidad Anneliese Michel, una joven alemana de familia católica que murió tras años de agonía en 1976. En el film se usaron grabaciones reales de los exorcismos de aquellos años. Pueden encontrar más información en la web de estos inquietantes sucesos, hay algunas fotos muy perturbadoras de una desnutrida y cadavérica Annaliese, quien en sus peores momentos se golpeaba contra las paredes, mordía e insultaba a su familia y hablaba en idiomas que supuestamente no conocía.

Existe otro film de origen alemán, Requiem (2006) que en tono de psicodrama se basa también en la sufrida vida y muerte de la joven Annaliese, cuya tumba sigue siendo visitada diariamente.