Entre besos y tiros (2005)

Ambientada en Los Angeles, la historia trata sobre un detective privado, una actirz frustrada y un ladrón devenido en actor que se verán involucrados en un caso de asesinato.

Shane Black es un actor, escritor y productor que se lanza como director en Kiss Kiss Bang Bang (título original). Fue responsable de los guiones de la saga Arma Mortal, y en este film aplica todos sus conocimientos del género, pero burlándose de ciertos clicés del policial negro. Tenemos al narrador en primera persona, al detective privado, la femme fatale , un misterioso asesinato, el glamour de Los Angeles y hasta el típico Jazz como banda sonora: los elementos están dispuestos para generar una trama interesante que logra un perfecto homenaje a las clásicas historias de detectives. Aunque por momentos confunde por la cantidad de información y nombres, la historia es atrapante y está muy bien narrada.

El trío principal está formado por Val Kilmer (como un detective gay bastante gordito), Michelle Monaghan (todavía no tan conocida en esa época) y un increíble Robert Downey Jr.: sútil, verborrágico, cómico; es el protagonista absoluto del film y demuestra su talento a cada minuto, no tiene desperdicio.

Shane Black logró un film visualmente original (vuelvo a destacar el buen uso de Motion Graphics en el cine), bien dirigido, con personajes atractivos y bien desarrollados, con una trama clásica pero vista desde otro ángulo. Sus falencias no llegan a opacar sus grandes virtudes. El cóctel de géneros da por resultado un policial/thriller/comedia de humor negro más que efectivo, que va a dejar la sonrisa marcada en tu cara.

Petróleo Sangriento (2007)

Las peliculas nominadas al oscar siguen siendo para el público una referencia. Y Petróleo sangriento tuvo nada más y nada menos que ocho nominaciones (Mejor Pelicula, Mejor Actor Protagónico, Mejor Director, Guión Adaptado, Edición, Dirección Artística, Mejor Edición de Sonido, Dirección de Fotografía) de las cuales terminó llevándose solo dos. 

El film nos sitúa en California a principios del siglo pasado y narra la historia de Daniel Plainview, un productor petrolero independiente que busca crecer en el negocio y en su ambición desmedida terminará distanciándose de su propio hijo.  

Paul Anderson Thomas es uno de los directores más originales y prolíficos que podemos encontrar hoy en el cine americano, con películas como Boogie Nights o Magnolia (sin dudas, su obra maestra) ha demostrado su gran talento como realizador. Sin embargo, su nuevo film está sobrevalorado en gran medida. Sus 158 minutos de duración son completamente innecesarios, la verdad que se podría haber acortado considerablemente el metraje. Aunque no termine nunca por aburrir -hay escenas memorables, que te despiertan, donde se lucen los actores principales-, sobre el final Petróleo sangriento se vuelve algo larga y tediosa, en gran parte porque la "historia" nunca termina de enganchar.

Protagoniza Daniel Day Lewis, quien se lleva todos los laureles con su personaje del codicioso Plainview y que le mereció un oscar de la academia.  Una sorpresa resultó ser su antagonista: el joven Paul Duno (Pequeña Miss Sunshine, Fast Food Nation) que interpreta al megalómano párroco Eli Sunday. Juntos tienen escenas de antología y solo por ellos dos merece ser visto el film.

La banda sonora merece comentario aparte: es deliberadamente molesta. Aún cuando las imágenes muestren otra cosa, la música no acompaña sino que busca intencionalmente incomodar, como si quisiera recordar en todo momento "miren que esto va termina mal".

Incluso en su título original There will be blood (Habrá sangre) hay un indicio de la verdadera intención del director con este film; el mensaje final de Anderson tal vez sea "Lo que mal empieza, mal termina". Pero en su ambición de transmitir un mensaje sobre la condición humana, la ética, la codicia y la familia se olvidó de contar una historia atractiva.

En resumen, una película muy interesante, con una excelente fotografía y producción (una reconstrucción de la época impecable) y magníficas interpretaciones, pero que se queda a mitad de camino. Basada en la novela Oil! de Upton Sinclair, la película parece más una Biopic del ficticio Plainview que un retrato del negocio petrolero de los años ´20. Porque la película es enteramente el personaje de Lewis y sus traumas, sus ambiciones y su soledad. 

 

The Fountain (2006)

Protagonizado por Hugh Jackman y Rachel Weisz, el film fue derecho a DVD (La fuente de la vida, fue su correcta traducción). Las sinopsis sobre The Fountain no son muy claras sobre la trama, en parte por la ausencia de tal (si, es una crítica!). Los primeros minutos pueden confundir porque nos muestran tres "momentos" o historias paralelas. Pero enseguida se esclarece cúal es el conflicto, se presentan los personajes y sus búsquedas: Tom es un cirujano veterinario -interpretado por Jackman, más versátil de lo esperado- obsesionado por la inminente muerte de su esposa izzy -una correcta Rachel Weisz-, que sufre de una enfermedad terminal.

Esa es toda la trama, no hay  mucho más desarrollo de la historia. Pero esta carencia está muy bien disimulada por unas imágenes de ensueño increíbles, por una dirección soberbia y unas actuaciones notables, la presencia en pantalla de los dos protagonistas es casi absoluta.

En paralelo vemos otras dos situaciones: una historia escrita por izzy ambientada en Latinoamérica, en época de la colonización española: Tomas debe buscar el "árbol de la vida" para la reina Isabel (si, otra vez Jackman  y Weisz). Por otro lado, lo vemos a Tom en otro estado de existencia, en una especie de burbuja esperando llegar a la estrella "Xibalba" para... morir y renacer? Claramente es todo una gran metáfora zen sobre la vida y la muerte. El tono existencialista del film está muy bien desarrollado y nos plantea un viaje introspectivo, donde tienen más peso las imágenes, los símbolos y algunos diálogos que la propia historia. 

Sorprende que el director y escritor sea Darren Aronofsky, porque el estilo del film está muy alejado a lo que vimos en Pi o Requiem for a dream. Aunque por momentos se vuelva repetitivo con algunas escenas, el tratamiento estético en The Fountain es muy personal y se nota.  Abundan los primeros planos y los plano detalles, los encuadres simétricos, los símbolos religiosos y guiños a otras culturas.

 

The Fountain es una propuesta original y arriesgada, de las que no abundan. Seguramente no es para todo el público, pero para quien busque algo diferente: no la dejen pasar. No esperen vértigo y giros argumentales, el film va por otro lado. La intención y el mensaje de Aronofsky es claro, tal vez redundante. Pero aún con sus falencias, el director logra crear un cine de autor que hace de la experiencia cinematográfica un hecho artístico particularmente gratificante; verdadera poesía en movimiento.

The signal (2007)

The Signal es un film independiente de horror, narrado en tres capítulos, cada uno por un director diferente. ¿De qué trata? Básicamente, una extraña transmisión invade todos los artefactos electrónicos: a través de la radio, los teléfonos y la televisión, la gente expuesta a esta señal se vuelve violenta y homicida. Los personajes principales son pocos, y la historia gira entorno a ellos y a como viven este incidente (dicen que la trama es muy similar a la que cuenta Stephen King en "Cell", novela que desconozco).

La propuesta suena a repetida, a otro film apocalíptico con zombies asesinos, pero este no es el caso. Los realizadores se las rebuscaron para darle un enfoque diferente a una fórmula muy vista estos últimos años. De hecho, las personas expuestas a la señal no se convierten en "zombies" sino en psicópatas y que fácilmente se mezclan con la gente "no afectada". Esto desencadena el caos y la paranoia general.

La verdad, viendo la gente agrediendose, matándose sin motivo, todos mirando como estúpidos los colores hipnóticos que emite la televisión, desconfiando unos de otros ... me dió la sensación de que no estamos tan lejos de la realidad que plantea la película, porque todo eso que muestra ya está pasando! Aunque se lea muy entre líneas, la crítica está presente. Claro que el film no se toma muy en serio y logra mezclar, en equlibradas dosis, horror y comedia negra (presten atención a la escena de la "fiesta").

Los tres capítulos nos muestran el punto de vista de los tres personajes principales. Tal vez el menos logrado sea el último. Pero su ritmo dinámico hace que la historia no decaiga nunca.

El elenco no es muy conocido pero todos están muy bien, tal vez quien más sobresalga por su papel sea quien hace de "Lewis".

The signal nos muestra como con pocos recursos se puede lograr un producto digno, entretenido y original; realmente resultó una grata sorpresa. Sangrienta, cínica, violenta, divertida. Aún con los defectos que pueda tener, el film no tiene grandes pretensiones y sale muy bien parado.

UPA! Una Película Argentina (2007)

Premiada en la última edición del BAFICI, esta película cuenta "la historia de un director, una productora y una actriz que se unen para filmar su primera película, lo cual genera una serie de conflictos, muchas peleas y sobre todo un gran esfuerzo".

El film, realizado en video digital, simula ser un documental, la cámara se mueve todo el tiempo, los personajes quedan fuera de foco y estos detalles dotan a UPA de un gran realismo. Pero no solo por el tratamiento de la cámara sino también por las excelentes actuaciones. La composición de los personajes es genial, todos son muy verosímiles. (Ojo! esto no es "Mundo Grua", el realismo no le quita ritmo narrativo al film que no decae y se deja ver sin que te duermas),

Contrario a lo que esperaba, la trama no se centra en lo difícil que es hacer cine en la argentina. Sino que, en un desarrollo muy inteligente de los personajes y sus relaciones, nos muestra como es difícil hacer cine... entre argentinos! No catalogaría al film dentro del género "comedia" pero seguro te va a sacar más de una sonrisa. Y muchas veces esa sonrisa llegará por los nervios, porque en su tono cínico y crítico -que es evidente- es muy fácil reconocerse e identificarse con muchas de las situaciones que muestra, y que no son exclusivas del mundo del cine (claro, quienes conozcan este ámbito cinematográfico seguro se verán reflejados en muchos casos).

El gran acierto de este film independiente -además de reírse de sí mismo y del "cine independiente nacional"- fue el de mostrar las miserias humanas en su máxima expresión. Pero no de una manera dramática y derrotista, sino como algo cotidiano y que es común a todos. La hipocresía, la egolatría, la soledad. Y sobre el final una excelente escena de tensión, una sola toma nos muestra una discusión que se sostiene con una labor actoral formidable. 

UPA tal vez no sea para "el gran público", pero es una propuesta diferente. Amena, entretenida, original. Muy recomendable.

Más extraño que la ficción (2006)

Will Ferrel es el arquetipo del actor encasillado siempre en el mismo papel: desde sus comienzos en Saturday Night Live pasando por todas sus películas. Con comedias tontas como Una noche en el Ruxbury (1998) hasta la fallida remake de Hechizada (2005), este comediante siempre hizo de payaso o de tonto, o las dos cosas juntas. En Stranger than fiction sorprende para bien con un personaje bastante diferente a lo que nos tenía acostumbrados. Interpreta a Harold Crick, un aburrido auditor de rentas e impuestos atrapado en la rutina, hasta que un día empieza a escuchar la voz de una escritora en su cabeza narrando cada una de las cosas que hace. Su vida de rutina, soledad y números está siendo escrita por otra persona, y es persona piensa matarlo!

El papel es perfecto para él, realmente supo componer un personaje soso e inexpresivo pero muy querible. El resto del reparto es impecable: Maggie Gyllenhaal -está excelente como la pastelera que enamora al protagonista-, Dustin Hoffman -que se lleva los mejores diálogos intentando guiar y ayudar a Harold, realmente delirantes- y Emma Thompson como la escritora en cuestión -fumadora compulsiva, huraña, que busca inspiración en los lugares menos pensados-, se come la película.

El director Marc Forster (Finding Neverland, 007 Quantum of solace) supo contar una historia entretenida y muy original, que mezcla sabiamente elementos fantásticos, dramáticos y también de comedia. Cada detalle de cada personaje, cada toma, cada palabra... todo está puesto conscientemente para que sobre el final todo cierre perfecto. Forster supo también manejar la ambivalencia entre el absurdo y el drama en un guión bastante inusual y que se podría haber caído en cualquier momento, sin embargo el resultado no pudo ser mejor. Además, el argumento juega mucho con lo que uno como espectador espera que pase, los giros argumentales, los finales trágicos, la relación de los personajes: todo forma parte de la vida de Harold que es, también, una novela.

Un film que no tiene desperdicio. Divertido, emotivo y muchas cosas más. Un paseo de escenas ocurrentes y momentos que te divierten y te roban una lágrima por igual.

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Una nota aparte como diseñador: los motion graphics que se usaron en la película suman mucho al argumento y a la estética del film. Están perfectamente plantados y resaltan la afinidad del personaje por los números, su obsesión por contar todo y el elemento "tiempo" que también tiene mucho peso en la trama. Pero sobre todo hacen una experiencia visual mucho más atractiva. Es solo un detalle, pero es raro que esto no se vea tan seguido en otros films. Sin duda, un punto más a favor de esta cinta.

Los dueños de la noche (2007)

El film abre con fotos reales en blanco y negro del departamento de policia de New York en los años ochenta. Esto enmarca la historia por venir y la dota de cierta verosimilitud. Cómo es la historia? Es 1988, Bobby Green (Joaquin Phoenix) está viviendo sus días de gloria, de fiesta en fiesta con sus amigos, jugando al pocker, drogandose. Tiene una novia hermosa que lo ama (encarnada por Eva Mendes) y además, está a cargo de un boliche nocturno de Brookllyn sumamente concurrido. Lo que nadie sabe es que el hermano (Mark Walbergh) y el padre (Robert Duvall) de Bobby son policias y están por declararle la guerra al narcotráfico. Bobby quedará en el medio y deberá elegir bando.
El director y escritor James Wray nos brinda un policial atrapante y bien contruído, de tensión creciente, donde las relaciones familiares cobran una carga dramática que se convierten en el eje del argumento. Un acierto del director fue mostrarnos en primera persona lo que ve y siente el protagonista. El personaje de Phoenix sufre una gran trasnformación a lo largo del film y está llevado de tal forma que me resultó creíble, el conflicto lo llevará a tomar decisiones drásticas que, uno intuye, tendrán consecuencias trágicas. El reparto y las actuaciones son muy buenas, solo puedo criticar la elección de Robert Duvall un poco avejentado para su papel como capitán de policia, pero el resto está exceltente.
El título original "We own the night" está tomado del slogan de una división antinarcóticos que existió a fines de los ochenta en el NYPD. La ambientación de aquella época, los escenarios, el vestuario y la música de fondo ayudan a una reconstrucción muy bien resuelta por parte del director.
Un film interesante para quienes gusten de un buen policial, con momentos de tensión y tiros, pero también buenas dosis de drama.

Un buen año (2006)

¿Qué tienen en común Blade Runner, Alien, Gladiador y la reciente Gángster Americano? Por supuesto, su director es Ridley Scott. Pueden imaginarlo acaso realizando una comedia romántica? yo no, por eso me llevé una buena sorpresa con A good Year. 

El film nos cuenta de un corredor de bolsa, competitivo y adicto al trabajo, que tras heredar las tierras -con viñedos incluidos- de su fallecido tío, se traslada a Francia para vender y deshacerse rápidamente de la propiedad. Sus planes se complicaran, como se imaginan.

Protagoniza un siempre correcto Russel Crowe, como el irritante pero simpático Max Skinner, y la hermosa Marion Cotillard, actriz francesa que se llevó el oscar por su papel de Edith Piaf en La vida en rosa.

El tono de la película es el usual para las comedias románticas, con algunos enredos y situaciones divertidas. La relación de Max con el viticultor (el vino ocupa un lugar importante en el relato) es particularmente graciosa y el resto de los personajes aportan también su cuota de humor. Aunque el film no se queda en los lugares comunes de este género; de hecho, la historia de amor es solo una parte de la trama.

La película nos muestra como un yuppie alienado por su trabajo de Londres, vuelve al lugar donde pasó su infancia, a reencontrarse con sus raíces. La mano maestra del director supo combinar acertadamente la comedia con el drama presente en la nostalgia del protagonista, el pasado que vuelve a cada instante con las visiones de su tío (el bonachón Albert Finney) y que lo hacen replantearse su vida, su identidad.

Una comedia liviana y entretenida, bien resuelta por Ridley Scott, en un film atípico para su carrera.

Hacia las rutas salvajes (2007)

Into the wild narra el inusual viaje que emprendió Christopher McCandles en 1990 y que lo llevó durante 2 años a través de varios estados de USA hasta Alaska, fin de su recorrido. Después de terminar sus estudios universitarios, el joven dejó todo para lanzarse a las rutas, desapareciendo sin avisar, rompiendo sus documentos y hasta donando todos los ahorros que tenía.
Un trabajo impecable de Sean Penn como director y productor del film. Es genial la forma en que desarmó la historia para volver a armarla de manera original y cautivante, juntando retazos de escritos de Christopher, innumerables citas literarias, la voz en OFF de su hermana y en constantes flashbacks y flashfowards. Así, se va develando los motivos del protagonista, su búsqueda incesante y poco a poco iremos descubriendo su visión (la del Christopher real, y también la de Sean Penn).
Me sorprendió la cantidad de locaciones que se usaron, es muy extensa y en los créditos finales se mencionan. La fotografía sorprende con imágenes imponentes y paisajes deslumbrantes. Aunque las escenas que muestran el "contacto con la naturaleza" son muchas y a veces le juega en contra a la película, pero el ritmo decae pocas veces y se pueden llevar bien los 140 minutos de metraje.
El reparto cuenta con varias figuras pero Emile Hirsch (Meteoro) merece un destacado aparte, solo por el arduo trabajo que seguramente requirió este papel tiene mi respeto. La verdad es que está perfecto en un rol protagónico lleno de matices y nada fácil de interpretar.
A lo largo del viaje veremos personajes entrañables, muy humanos. Con momentos trascendentales, pero también con momentos "pequeños" o cotidianos (hay una escena de pelea familiar muy verosímil) que visto desde otro ángulo son muy importantes. Realmente el film busca tocar la fibra sensible del espectador y en mi caso, lo logra. Y pesa tremendamente saber que todo está basado en hechos reales.
Una historia que merecía ser contada y Penn le puso un gran empeño para desarrollarla. Sin dudas, vale la pena acercarse a este film.

Reyes de la calle (2008)

Cada tanto aparecen películas como Street Kings, dentro del género policial y que a los yanquis tan bien le salen. Es difícil entender de qué se trata con la sinopsis porque al principio no se entiende para qué lado irá la historia. Básicamente, un policía de dudosa moralidad se ve implicado en la muerte de uno de sus compañeros, esto desencadena una serie de eventos que lo harán investigar el caso. Pero hay varios elementos, personajes y situaciones que conviene ir descubriendo a medida que se ve el film.

Protagoniza Kenau Reeves en uno de los títulos más violentos de su carrera y cumple muy bien como el detective Ludlow, un policía traumado por la muerte de su esposa y que cumple su trabajo rompiendo algunas reglas. "Somos la policía. Podemos hacer lo que queramos." dice en un momento y esto define gran parte del concepto del film. Realmente son los reyes de la calle porque ellos son la ley, no importa la verdad sino lo que diga el informe policial. Cualquier cosa se puede dibujar porque el fin justifica los medios. La pregunta es: cuando se rompen las reglas ¿dónde está el límite? ¿y quién pone ese límite?

Todo está podrido y el ambiente hostil de Los Angeles termina de darle ese tono cínico y opresivo a la cinta, con sus policías corruptos, el crisol de comunidades de latinos y negros, narcotraficantes, prostitutas... todo bajo un sol californiano testigo de una violencia brutal y cotidiana.

Un thriller interesante y bien resuelto, con intriga policial y muchos tiros, donde los buenos no son tan buenos y los malos son malísimos. Toca los usuales tópicos del género y no decepcionará a quienes gusten de este género en particular.

Eyes Wide Shut (1999)

Hace casi 10 años este film significó el regreso al cine (cine con letras mayúsculas) de Stanley Kubrick. También significó el trabajo conjunto del entonces famosísimo matrimonio de estrellas formado por Tom Cruise y Nicole Kidman en los roles principales. 

Abundan en esta película los primeros planos, los desnudos explícitos y los diálogos sugerentes. La historia nos muestra al Dr. Bill Harford y su vida familiar de alta sociedad, su matrimonio algo rutinario y apático. Y el abismo de dudas morales que se abre ante él en tan solo una noche, un submundo lleno de revelaciones y de tentaciones (infidelidad, prostitución y hasta... una secta secreta!) al alcance de las manos que traerá una pequeña crisis a su mundo.

El ritmo de Kubrick nada tiene que ver con el vértigo de Hollywood, su cámara no tiene apuro y le da lugar al desarrollo de los diálogos. Cruise y Kidman se lucen en escenas intimistas de tomas largas y planos cerrados. Aunque con menos minutos en pantalla, la solvencia actoral de ella la deja mejor parada. 

La introducción es algo lenta pero una vez presentados los personajes el film toma fuerza, el drama da lugar al suspenso y te mantiene atrapado hasta el final. Aunque, como decíamos antes, lo más importante nunca se muestra sino que se insinúa. Los celos, la promiscuidad, las fantasías sexuales y los límites que nunca deberían cruzarse son reflejados en forma magistral.

El resultado final es una interesante propuesta que plantea diversos niveles de interpretación, y que invita a una reflexión profunda sobre la hipocresía, la neurosis y los miedos de la vida en pareja en la sociedad moderna (ah, y fíjense la sutileza del afiche de la película que cobra nuevo significado una vez visto el film: Cruise besando con ojos cerrados a Kidman y ella mirando de reojo a otro lado).

El exorcismo de Emily Rose (2005)

La película se centra en el jucio contra el cura que realizó exorcismo, acusado de negligencia al resultar muerta Emily Rose. En un acierto del guión, la historia se completa con flashbacks y testimonios de profesionales, conocidos y familiares de la víctima y testigos que estuvieron presentes en el propio exorcismo.

Un buen film de terror pero originalmente encarado desde otro ángulo. Desde el juicio, todo se ve más verosímil y se pone en balanza tantos los aspectos científicos como religiosos para un hecho aparentemente sobrenatural. Los momentos de tensión y horror son geniales, realmente te hacen pegar un salto del susto.

Para destacar: la desconocida Jennifer Carpenter (Emily Rose) está excelente en su interpretación. Sus contornsiones y sus expresiones durante la posesión demoníaca te ponen la piel de gallina. Ya conocemos a Tom Wilkinson (Padre Moore) que cumple como siempre. 

REALIDAD Y FICCIÓN

Lo más escalofriante de esta historia, es que está basada en hechos reales (aunque los acontecimientos y personajes fueron bastante diferentes). Emily Rose fue en realidad Anneliese Michel, una joven alemana de familia católica que murió tras años de agonía en 1976. En el film se usaron grabaciones reales de los exorcismos de aquellos años. Pueden encontrar más información en la web de estos inquietantes sucesos, hay algunas fotos muy perturbadoras de una desnutrida y cadavérica Annaliese, quien en sus peores momentos se golpeaba contra las paredes, mordía e insultaba a su familia y hablaba en idiomas que supuestamente no conocía.

Existe otro film de origen alemán, Requiem (2006) que en tono de psicodrama se basa también en la sufrida vida y muerte de la joven Annaliese, cuya tumba sigue siendo visitada diariamente.

Chaos Theory (2007)

Empecemos por definir el género de esta película: comedia dramática. Acá ya nos encontramos en una zona de riesgo porque no siempre se logran buenos resultados con esta conjunción de drama y comedia; y en Chaos Theory esa dificultad queda en evidencia. La historia es simple y parte de una estructura que debería funcionar: un hombre ordenado en exceso, que se maneja con listas y tarjetas para no perder control del más mínimo detalle, se enfrenta a una serie de eventos fortuitos que desencadenan la más profunda crisis de su vida. 
La primer mitad del film funciona como un reloj y me sacó alguna sonrisa. El humor no está dado por el chiste fácil sino por las sutilezas de los dialogos y las situaciones y esto es para destacar. Y en esto tiene mucho que ver también su protragonista, Ryan Reynolds. Este actor canadiense salva gran parte del película, su potencial es innegable. En su prolífica carrera ha pasado por diversas comedias de cine y televisón, en dramas y hasta en films de terror y acción. Y ahora vuelve a demostrar que puede hacer reír y llorar al mismo tiempo!
La verdad es que tiene sus momentos, agradables y divertidos. Pero sobre el final, el film se estanca y se agotan las pequeñas sorpresas que ofrecía esta historia, que prometía más. Los elementos dramáticos toman tal peso que terminan ahogando a la comedia. Saludablemente, la pelicula no llega a los 90 min y el talento de Reynolds para desenvolverse en esa ambibalencia del absurdo y la tragedia ayuda mucho al resultado final.
Para ver en casa un domingo a la tarde, tomando chocolate caliente.

Padre Nuestro (2007)

Este oscuro film nos cuenta sobre Pedro, quien va en busca de su padre perdido y llega a New York con un grupo de mexicanos indocumentados. Una vez allí su identidad es robada y las cosas solo se complican aún más. 

El escritor y director Christopher Zalla logra un primer largometraje contundente, sólido pero desagradable, un profundo drama que nos muestra las miserias humanas del modo más visceral. Y lo cuenta con un tono entre cínico y fatalista. No es casualidad que los colores grises y desaturados invadan en todo momento la pantalla. 

Vemos las calles de Brooklyn y la vida marginal de quienes la habitan, los protagonistas roban, se drogan y se prostituyen solo para continuar en un espiral de autodestrucción del que no hay salida. Aunque no haya luz de esperanza para estos personajes condenados podemos leer entre líneas y conmovernos ante un hecho esencial de la condición humana, que es la necesidad de ayuda y de apoyarse en el otro.

En Padre Nuestro, curiosamente, la producción es yanqui pero su elenco es en gran parte mexicano. De hecho es hablada en castellano, pero se complica de entender a veces por modismos mexicanos o por un acento muy cerrado ("Pues el cabrón está bien chingado, buey!" o algo así).

La película, ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Sundance, no es muy conocida pero vale la pena conocerla. Una historia sórdida, simple pero bien contada y que permite posteriores análisis sobre las relaciones humanas y la búsqueda de la identidad.

Muerte en un funeral (2007)

Me acerqué a este film por la recomendación de varios amigos, y aclaro de antemano que el humor inglés no suele ser de mi agrado. Esta comedia británica cuenta una historia chiquita que ocupa en la ficción solo un par de horas. Ocurre obviamente en un velorio, los personajes son variopintos, muchos de ellos exagerados y delirantes y darán lugar a situaciones realmente bizarras.
Queda en evidencia que el guión se esfuerza sobremanera por hacer reír al espectador, en mi caso gran parte del film no lo logra. Muchas de estas situaciones supuestamente cómicas no me causaron gracia, son desagradables o simplemente muy forzadas; y muchos de los personajes están tan exagerados que se vuelven caricaturas.
La relación de los dos hermanos protagonistas está muy bien desarrollada y para ser justos, hay grandes momentos en el film que seguro te van a sacar una sonrisa.
Así que, Death at a funeral es una comedia liviana, sin muchas pretensiones, bien realizada y que dura lo justo. Justamente por estas razones se disfruta. Aunque me he divertido más con otras comedias y con otro tipo de humor.

The Kingdom (2007)

Curiosamente este film fue derecho al videoclub, sin pasar por los cines locales; y es raro dado que es una buena película de acción, con un reparto notable. Y está dentro de un sub-género muy visto en los últimos años (post 11 de Septiembre) en el cine yanqui, sobre intriga internacional, terrorismo y la relación de este país con Medio Oriente.
¿De qué trata? Un grupo de 4 agentes del gobierno de Estados Unidos, comandados por el agente Fleury (Jamie Foxx), va hasta Arabia Saudita a investigar un terrible atentado.
La dirección de Peter Berg (Lions for kings, Smokin´Aces) es efectiva y vertiginosa, pero por momentos demasiado caótica. Aunque la historia es simple, la cantidad de información que se muestra en los primeros minutos termina confundiendo. Se presentan personajes, nombres y locaciones que no influyen en el desarrollo de la trama y esto termina perjudicando buena parte del film.
Salvo por estos detalles que solo retrasan el desarrollo del conflicto, la película está bien resuelta y es entretenida. Y deja sobre el final una reflexión sobre las muertes y el resentimiento que generan este tipo de conflictos, una crítica no solo al fundamentalismo más extremista sino también a la politca exterior de Estados Unidos.

John Rambo (2008)

Cuando escuché que Sillvester Stallone traía de vuelta a sus personajes clásicos, siendo él mismo guionista y director, esperé lo peor. Para mi sorpresa y la de muchos, Rocky Balboa (2007) fue un producto bien elaborado, un drama con mucha nostalgia con una excelente escena final sobre el cuadrilátero. Y este año le tocó a John Rambo, que también sale muy bien parada.

El film, que cuenta una historia muy chiquita del personaje, tiene todos los ingredientes que hicieron famosa a la saga y además, logra cerrarla de forma creíble. El principio nos presenta en una excelente secuencia de imágenes de TV la situación de Birmania. Una vez más Rambo se ve envuelto en zona de guerra, contra su voluntad para rescatar a alguien y hacer lo que mejor sabe hacer. Pese a sus limitaciones actorales y su avanzada edad, Stallone logra un Rambo verosímil. Y detrás de cámara vuelve a sorprender con una película de acción brutal y bien construida.

Se plantean livianamente algunas cuestiones sobre la guerra, cómo se pueden cambiar las cosas para bien dentro de tanto caos y muerte sin sentido. Claro que la morbosidad y violencia a la que nos tiene acostumbrados el cine actual no falta en Rambo, donde se ven imágenes explícitas de mutilaciones, niños masacrados y gente volando en mil pedazos. Pero, así es la guerra... no?

27 bodas (2008)

Al ver 27 bodas confirmé que el género "comedia romántica" en el cine yanqui está agotado.  La película plantea un argumento interesante, pero termina ahogándose en los clichés de un género que parece repetir la misma fórmula una y otra vez hasta el hartazgo. Luego de estar en 27 bodas y usar 27 ridículos vestidos (por eso 27 dresses, su título original) como madrina, Jane llega a una encrucijada cuando su hermana está apunto de casarse con el hombre que ella ama.

La película no es mala, pero por momentos se vuelve predecible y monótona. La protagonista, Katherine  Heigl (que casualmente estuvo en la reciente Ligeramente embarazada, original comedia que escapa a cualquier molde) está bien, hasta podría ser la nueva Meg Ryan, pero su personaje sufre tanto que no da risa. Su hermana es Malin Akerman cuyo papel recuerda a la sensual pero insoportable Lila de La mujer de mis pesadillas (The heartbreak kid).

Una lástima porque la historia daba para más.