Irrational Man (2015)

Apática, monótona e insoportablemente forzada, esta comedia de Woody Allen se hace difícil de sobrellevar. Una idea interesante, una ejecución desastrosa.

Sinopsis: En el campus de la universidad de un pequeño pueblo, un profesor de filosofía en plena crisis existencial le da un nuevo propósito a su vida cuando inicia una relación con una de sus estudiantes.


Woody Allen se volvió monótono y aburrido. Está viejo y se está repitiendo de una manera muy alevosa. Gana cuando juega y se divierte con los personajes, como pasaba en Midnight in Paris (2011) -donde además contaba con el carisma de Owen Wilson-. En este film, Abe Lucas (Joaquin Phoenix) debería ser un personaje interesante, pues así lo demanda la trama, así es como todos los ven. Sin embargo no lo es, en absoluto. No lo es para el espectador, y mostrarnos una escena detrás de otra con personajes secundarios declamándolo de forma tan obvia no cambia ese hecho, ¡es un personaje aburrido!. Y Emma Stone está perdida en su interpretación; no es una gran actriz, pero se nota que tampoco estuvo bien dirigida. 

La gran falta de esta producción es que las cosas son simplemente declamadas por los personajes, en sus diálogos, en las voces en off. Es agotador. La información no para nunca de llegar -un bombardeo constantes de palabras y más palabras, todo el tiempo-; es el único recurso que hace avanzar la trama. ¡Y eso que la película dura 1 hora y media! pero no por eso se siente más corta... al contrario, Woody parece estar tan apurado (seguro porque ya está pensando en su próximo film) que no deja que la acción avance a un ritmo natural. 
Un ejemplo concreto (y sepan disculpar el SPOILER) es cuando, después de media película de tensión sexual entre Abe y su alumna, finalmente se concreta el encuentro. La solución cinematográfica de Allen es ir con un corte directo: nos muestra un salto de ellos en el restaurant a ellos en la cama y...¡ya están hablando! El hecho se consumó en la elipsis más corta en la historia del cine. 
Woody Allen se pierde todas las oportunidades de desenvolver el conflicto y las acciones cinematográficamente (y lamentablemente no se trata de una obra literaria o una obra teatral). Uno como espectador no tiene tiempo para disfrutar los momentos, para dejarse llevar por la historia; es al revés, la historia se lo lleva puesto a uno.
Es triste ver como uno de los más notables directores de cine falle tan alevosamente en la ejecución. La película salta de un plano medio a otro (no hay planos generales, ni planos detalle), no hay juegos de cámara, no hay tiempo para que se luzcan las actuaciones o se desarrollen los personajes. Los diálogos tampoco son buenos, se sienten forzados -por momentos de hecho me daban vergüenza ajena-. Para colmo el guión está lleno de "casualidades", encuentros fortuitos entre los protagonistas y otros personajes, sólo para que la historia llegue rápido hasta el desenlace que Woody tenía en mente (por cierto, un pobre final, sin riesgo alguno).

Phoenix había comentado en una entrevista lo "práctico" que era Woody Allen en referencia a lo que mostraba en pantalla: si quería mostrar a un personaje como médico simplemente le colgaba un estetoscopio al cuello. Viendo Hombre irracional esas palabras del actor llegan a un significado muy concreto. Así se siente el film, apurado, forzado, sin sustancia. El profesor universitario Abe Lucas busca un motivo para vivir, tal cual esta película. Su razón de ser es inexplicable más que en la propia verborragia vacía del director que pareciera repetirse hasta el hartazgo sin poder hallar nada interesante que contar.

Como todo es llevado a la fuerza hacia ese absurdo final, el film se siente como un chiste estirado. Como comedia no es divertida y difícilmente llega a la profundidad de un drama. Y ni siquiera el elemento policial (el crimen) le agrega esa tensión que tan bien supo aprovechar en Match Point (2005). Las coincidencias con esa y la mediocre Scoop (2006) son más que evidentes. Su último trabajo digno, Blue Jazzmin (2013), pareciera estar a años luz de distancia.
Igual, extrañamos al clásico director...
Woody, fuiste grande alguna vez, ahora tan sólo deberías descansar y tomarte unos largos, largos años sabáticos.

The Nice Guys (2016)

Entretenida comedia escrita y dirigida de Shane Black. Una buddy movie como ya no se ven, un policial de tono retro que no se toma para nada en serio.

Sinopsis: Jackson Healy, un detective privado y Holland March, un oficial de la policía se unen luego del sospechoso suicidio de una estrella porno en decadencia. Sospechoso, porque la tía de la víctima asegura haberla visto viva luego de que la noticia saliera en todos los medios. March decide investigar el caso porque necesita dinero, y en pocos días aparece metido en medio de una conspiración.


Shane Black vuelve a las andanzas con una comedia policial (básicamente el único género que le conocemos pero que tan bien sabe manejar) ambientada en los setenta, en Los Angeles. La primer mitad del film construye muy bien la intriga, presenta a los personajes y el caluroso y estrambótico ambiente de aquel momento, que ya vimos en incontables películas -todavía tengo muy fresca en la memoria Inherent Vice (2014)-. Todo muy dentro del género noir, lleno de los clichés que suelen tener este tipo de películas, pero con la agradable sorpresa de no tomarse demasiado en serio. El gran acierto de esta producción está en el casting: Russel Crowe y Ryan Gosling forman una dupla cómica memorable. Un matón de poca monta con anhelos de redención y un torpe y mediocre detective privado, respectivamente, cuyos caminos se cruzan por azar. Pero el caso de una actriz porno desaparecida los forzará a unirse para develar lo que pareciera ser algo más profundo y complejo, tal vez una conspiración.
Si, todo avanza sobre terreno conocido. Por eso, los logros del film se apoyan sobre todo en el desarrollo de los personajes principales, en la conformación de esa sociedad apurada pero, casi por azar, efectiva. 
Black le saca el jugo a sus puntos fuertes, todo recuerda a sus trabajos anteriores. Allí están los rasgos más salientes de sus buddy movies, Lethal Weapon (1987) o The Last Boy Scout (1991); pero sobre todo Kiss kiss bang bang (2005). El escenario y el dúa que conformaban Robert Downey Jr. y Val Kilmer están muy muy presentes en The Nice Guys. Aunque en este caso no hay -¡gracias a Dios!- un subplot romántico, esta sociedad tiene una tercer pata representada por Holly, la hija del detective March (Goslin), una especie de Penny para el inspector Gadget. Una joven promesa de la actuación, la labor de Angourie Rice es notable y tiene momentos memorables.

La segunda mitad del film se pavonea entre el absurdo y la autoparodia, lo que dinamita en gran medida lo que tan bien se construyó en la primer mitad. No se pierde el disfrute en ningún momento, pero sí da la sensación de que Black se perdió en cierta medida una oportunidad de cerrar mejor su producto. Los personajes de Kim Basinger y Matt Bomer están dentro de ese universo exagerado y se sienten desaprovechados. Goslin, siempre al límite de la sobreactuación, comienza a recordar a Guillermo Francella o Emilio Disi. Sobre el final, el tono exagerado acerca la cinta a Rush Hour (1998) o incluso Tommy Boy (1995), aunque todavía quedan lejos productos más industriales e impersonales como 21 Jump Street (2012). La voz autoral de Shane Black todavía está ahí, intacta.

Nos quedamos con la química entre los dos actores que supieron componer una dupla querible, algunas escenas hilarantes y muy buenos diálogos (¡el del ascensor!). Esperamos volver a ver a estos buenos muchachos.

Suicide Squad (2016)

Esperada película que extiende el universo fílmico de DC/Warner Bros. de la mano precisa y certera de David Ayer. Entretenida pero decepcionante en muchos aspectos. 

Sinopsis: Un grupo de villanos, con habilidades letales y mágicas recibe la oferta del gobierno para redimirse, a través de una peligrosa misión, que podría terminar por matarlos a todos. 


HOLY SPOTS!
Un fenómeno curioso que se viene dando cada vez más seguido es la sobrecarga de material promocional que, irónicamente, termina perjudicando la experiencia cinematográfica. El increíble poder del aparato publicitario de estas producciones ha crecido a niveles ridículos, y las redes sociales han alimentado a este monstruo fuera de control. Se generan altísimos niveles de hype que afectan, ya no sólo al fandom comiquero (y ya sabemos con que facilidad pueden jugar con nuestra ansiedad), sino a cualquier mortal desprevenido. Teasers, trailers, spots de tv, promos de facebook, youtube e instagram sobreestimulan nuestros sentidos y aseguran nuestra presencia en la sala de cine (las pre-ventas son otro síntoma de este fenómeno, o incluso las avant premiere, porque lo importante no es ver la peli, sino verla primero y antes que nadie). ¿Pero a qué precio? El costo a pagar es enorme porque ese material se instala en nuestra cabeza y genera una especie de película paralela, cargada con nuestra experiencia y nuestras expectativas. La sorpresa y el disfrute despojado y virgen de estos productos es, hoy, prácticamente imposible para un espectador promedio.
En el caso concreto de Suicide Squad, el material promocional le ha hecho mucho daño al producto final. La película carece de profundidad, de un buen desarrollo de personajes o incluso de un argumento medianamente coherente. Es un estridente video-clip cargado de color, violencia y efectos especiales. Todo bien hasta ahí, con un balde de pochoclos y unos lentes 3D la experiencia debería alcanzar para ser satisfactoria. Sin embargo, por más que desconectemos nuestros cerebros por 2 horas, los chistes que ya conocemos no surten el mismo efecto. Los planos y las escenas que ya vimos no se resignifican en el desarrollo del film pues, son sólo eso y nada más. 

EL ESCUADRÓN DE HARLEY
A estas alturas ya nadie puede negar lo obvio, la película es enteramente de Harley Quinn/Margot Robbie. Uno de los grandes aciertos de esta producción fue el casting y en este caso se dió lo que pocas veces pasa, cuando ya es imposible separar al personaje de la persona que lo interpreta (Tony Stark/Robert Downey Jr. es el ejemplo más cercano y obvio). El otro gran atractivo del film fue la interpretación de Jared Leto como el nuevo Joker, que aquí es un personaje completamente secundario pero que promete mucho para futuras entregas. Esta fue una de las grandes decepciones ya que el motor mediático prometía más Joker pero lo único que se ve en la película es lo que ya vimos en los adelantos. Su versión se despega de las anteriores (lo que es un acierto) pero por obvias razones no se llega a ver todo el potencial que podría dar este personaje. 
Los otros protagonistas son Rick Flag/Joel Kinnaman y Deadshot/Will Smith, que cumplen dignamente con personajes sosos y llenos de clichés pero que hacen avanzar la trama. Sorprende un personaje complejo e interesante como es el de Amanda Waller, muy bien caraterizada por Viola Davis. El escuadrón se completa con personajes olvidables como Capitan Boomerang, Killer Crock o Katana. O incluso el personaje de El Diablo al que intentan dotar de cierta profundidad pero lo hacen tarde y mal. Es poco probable que el espectador puede empatizar con estos personajes. Pareciera que están para hacer bulto, soltar chistes (que ya conocemos) y no mucho más.

Las grandes falencias del guión se reducen a decisiones básicas y estructurales. El conflicto principal está muy bien integrado a este nuevo universo de DC comics, donde los metahumanos son vistos como una amenaza, por eso el villano de turno es... ¡una bruja! (Enchantress/Cara Delevingne, otro personaje olvidable), así que el gran conflicto ya se aleja de la intriga y el espionaje que podría asociarse a las primeras versiones del escuadrón en el cómic. El primer acto nos presenta a todos los personajes, en un ritmo frenético que no para nunca, similar a las películas de Guy Richie. El segundo acto parece estancar la película, vemos al escuadrón recorrer esta zona de guerra donde se perpetuan escenas de acción que son, en definitiva, el único atractivo de esta producción (Fuerzas militares enfrentándose a estas extrañas criaturas me recordaron por momentos a estar viendo un videojuego, en la onda de Resident Evil).
El guión fuerza situaciones para que los protagonistas terminen de conformarse como un equipo y llegar así al tercer y último acto: la lucha final, el enfrentamiento épico de nuestros héroes contra el villano, donde forzosamente veremos todos los elementos que conforman al género superheroico (si, incluidos una bomba, un sacrificio, etc etc... recuerden Avengers, The Dark Knight Rises y demás).

David Ayer es un director y guionista que ha probado ya su efectividad en el cine de género. Sin embargo su talento se ve filtrado por una mala edición (se nota el tijeretazo de los productores), una mala promoción (te venden otra cosa, incluso usando material que luego no aparece en el corte final) y un montón de escenas que sólo están para ampliar el universo fílmico que DC/Warner está empezando a construir. 
La sensación de trailer extendido ya lo vivimos con Batman v Superman y aquí se repite. Es común el manoseo del material por ejecutivos, por encima del trabajo del director. Edgar Wright en Ant-man, Sam Raimi en Spider-man 3, Josh Trank en Fantastic Four y la lista sigue. Esta película confirma una clara tendencia, las franquicias son un mero producto comercial donde la voz autoral del director es menoscabada.
Todavía hay esperanzas de encontrar puntos intermedios, un producto comercial no tiene que carecer necesariamente de atributos artísticos. El claro ejemplo es Guardians of the Galaxy (2014), cuyas similitudes están a la vista -incluída una banda sonora muy cool-. El Escuadrón Suicida es una comedia de acción con personajes marginales desconocidos por el gran público, criminales que terminan conformando un grupo que se redime salvando al mundo. La diferencia es que James Gunn tuvo la inteligencia de usar el anonimato de estos personajes en su favor, sus historias son nuevas y frescas y cada uno va ganando su lugar en la historia para terminar, efectivamente, como un grupo establecido y conformado gracias a la aventura que les toco vivir. Evolucionan y cambian y uno, como espectador, les toma cariño. Parece fácil, pero no lo es, en absoluto (levanten la mano quien quiere volver a ver al Capitan Boomerang haciendo chistes junto a Katana y Killer Croc).

En conlusión, Warner se ha perdido -¡otra vez!- una gran oportunidad. Con todos los elementos sobre la mesa para armar una gran película, nos ofrecen un entretenimiento más. Una película pasatista que se olvida en el momento que dejás la sala de cine. Entretenida, divertida... ¡si! Grasa, cabeza, obvia... ¡por supuesto! En comparación con el aborto que fue Batman v Superman, Suicide Squad presenta una leve mejoría (lo que muchos esperaban de una peli de superheores, humor, acción, sin contenido pero por lo menos divertida y más liviana). Marvel Studios creo un estilo efectivo del que Warner intenta despegarse, para generar una identidad propia. Llega tarde y estos productos se ven defectuosos, improvisados. Por suerte hay muchos elementos que se pueden rescatar, el arte, el vestuario, la producción en general está muy bien. Y lo mejor de la película, los personajes que ya tienen, sino nuestra aprobación (el fandom es quisquilloso), al menos nuestra atención: Joker y Harley Quinn. La enfermiza historia de amor que hace grandes a estos personajes y que con unas pocas escenas bastan para engancharte (comparen sino la relación de Rick Flag y June Moone).


Para cerrar, ¿se acuerdan de Bruce Wayne sonriendo e invitándonos a visitar Gotham City en un aviso de Turkish Airlines? El aparato mediático que alimenta nuestra ansiedad se ha vuelto una parte esencial -como una extensión imprescindible- de la experiencia fílmica. Es común hoy que este material extienda e incluso complemente lo que luego veremos en la gran pantalla. Es un fenómeno raro, nadie está libre de esa ansiedad. En un público homogeneizado, conviven comiqueros cuarentones con instgramers de 15 años que van a ver su heroína favorita y sacarse una selfie en el cine.
Hablemos un poco más de esa "ansiedad": a mi me ha tocado sentarme en la Avant Premiere al lado de una pareja que habló durante toda la película, comentando cada una de las escenas. Además, a ella se le escapaba alguna exclamación ("ay es hermosa") siempre que Margot Robbie aparecía en pantalla, mientras él repetía en voz alta los diálogos que ya se había aprendido de los trailers. 
Hay gente que ya no tiene defensa ante el aparato mediático y llegan al cine con la cabeza quemada. Se perdió algo en el camino. Ya ni siquiera hay disfrute cuando -después de meses o incluso años de espera- llega la ansiada película. La sensación de trailer extendido ya no es una falencia del director o los productores, sino del mismo motor que anuncia con bombos y platillos las entregas por venir. El negocio de la ansiedad es el negocio perfecto. Jared Leto quejándose de las escenas eliminadas, las críticas en internet (buenas o malas, ya a esta altura no importa pues el film es un rotundo éxito comercial), todo es parte de la misma neurótica experiencia. Y, lamentablemente, nada de eso tiene que ver con el cine.

Ghostbusters (2016)

Una comedia sosa, sin sorpresas, entretenida pero sin mérito alguno para ser recordada después de haberla visto. Como remake resulta decepcionante. 

Sinopsis: Manhattan, Nueva York. Después de casi treinta años sin saber de ellos, los fantasmas y demonios se han vuelto a escapar de los infiernos para destruir la ciudad. Esta vez, el equipo de los Cazafantasmas estará formado por un grupo de cuatro mujeres dispuestas a terminar con cualquier amenaza paranormal.

Ya hemos hablado de los clásicos refritos, una modalidad de la que Hollywood abusa en la actualidad. Los resultados suelen ser dispares, mayormente mediocres o decepcionantes. Esta nueva versión de Cazafantasmas se encuentra en esta categoría. Como reboot de una franquicia que es recordada con mucho cariño por mucha gente resulta fallida. La película sigue los lineamientos de la nueva comedia americana y poco tiene que ver con el film original de 1984. 
El guión y la dirección corren por cuenta de Paul Feig, responsable de aquel clon femenino de The Hangover llamado Bridesmaids (2011), y las olvidables The Heat (2013) y Spy (2015). Ahora, encargado de hacer este clon femenino del clásico ochentoso, es acompañado nuevamente de sus socias habituales, Melissa McCarthy y Kristen Wiig. Las comediantes están muy bien en los roles principales, básicamente repiten sus papeles de películas anteriores (aunque McCarthy un poco más delicada en esta ocasión). Completan el elenco protagónico Leslie Jones y -la que para mí fue una sorpresa- Kate McKinnon, comediante de SNL que supo componer un personaje nuevo, fresco y divertido. Tal vez uno de los pocos aciertos de esta propuesta, que se apoya fundamentalmente en el trabajo actoral. La otra sorpresa la brinda Kevin, el tonto secretario interpretado por Chris Hemsworth, que demuestra su versatilidad para hacer drama, acción y ahora también comedia. 

No mucho más para decir de esta obra que, aunque divierte, no aporta nada nuevo, una comedia pasatista más. El guión está lleno de huecos y repite impunemente elementos, chistes y situacioes de la Ghstbusters original. Esto demuestra como Hollywood usufructúa una marca reconocida para asegurarse la taquilla, aunque el producto final nada tenga que ver. Algunas participaciones especiales, como la de Ozzy Osbourne, me recordaron el humor berreta de producciones locales (como la franquicia de Bañeros). Y los forzados cameos de los cazafantasmas originales terminan por entristecer una película fallida, que ni siquiera cumple con un homenaje digno. 
En Jurassic World, el Indominus rex (lo nuevo) cae en la batalla frente al Tyrannosaurus rex (lo viejo), quien queda en dominio de la isla. Este tipo de guiños se repite en la gran mayoría de los remakes, pues los realizadores de hoy respetan y admiran los clásicos, crecieron con ellos y saben que el lugar en la historia lo ocuparan las obras originales. Así, la escena donde Melissa McCarthy es aplastada de lleno por el hombre malvavisco, toma una significado bastante concreto.
Esta vez el nombre de "Ghostbusters" les ha quedado demasiado grande. 

The Big White (2005)

Robin Williams brilla en esta comedia negra, injustamente olvidada.

Sinopsis: Paul Barnell, propietario de una agencia de viajes en Alaska, pasa por un mal momento, pero cree ver la luz cuando descubre un cadáver cerca de su oficina. Pretende cobrar el seguro de vida de su hermano y así poder mudarse junto a su mujer enferma a un lugar más cálido. Pero un peculiar agente de seguros no dejará que Paul se embolse el dinero tan fácilmente y todavía menos un grupo de mafiosos encabezado por un sicario que intenta recuperar el cadáver.


Una película que ha pasado inadvertida -en Argentina no se estrenó en cines-, y sin embargo tiene suficiente mérito para entrar en el ranking de comedias negras. Ese género que tan bien supieron explotar los hermanos Coen y que tiene a Fargo (1996) como su más claro exponente. De hecho, "Un golpe de suerte" (el desafortunado título en español) comparte más de un elemento con ese film. El frío y nevado escenario de fondo, los personajes extravagantes, la trama policial y esa tensión constante, que antes de llegar a la violencia desemboca siempre en situaciones incómodas y patéticas. 

El ignoto director Mark Mylod, con mucha trayectoria en series de TV, ha realizado una gran labor construyendo una historia chiquita pero contundente, que se desenvuelve pausadamente pero con paso firme. Y que le deja mucho espacio a los actores (el casting es otro gran acierto) para que desarrollen sus personajes de la mejor manera. Brilla el trío protagónico conformado por Robin Williams, Holly Hunter, Giovanni Ribisi con labores realmente memorables. Completan el elenco un correcto Woody Harrelson, Tim Blake Nelson (el Steve Buscemi de turno), W. Earl Brown y Alison Lohman. 

Un film más que recomendable que, aún apoyándose en ciertos clichés del género, brilla con luz propia.

Guardians of the Galaxy (2014)

Marvel Studios volvió a hacerlo! Corrió el riesgo adaptando este grupo de la B y terminó ofreciendo un Space Ópera divertido, lleno acción, humor, gran elenco y excelentes efectos especiales.

Sinopsis: El temerario aventurero Peter Quill se convierte en presa de una implacable cacería de recompensa después de robar una misteriosa esfera codiciada por Ronan, un poderoso villano con ambiciones que amenazan a todo el universo. Para evadir al persistente Ronan, Quill se ve forzado a hacer una incómoda tregua con un cuarteto de dispares inadaptados: Rocket, un mapache pistolero; Groot, un humanoide con forma de árbol; la mortal y enigmática Gamora y el siempre sediento de venganza Drax el Destructor. Cuando Quill descubre el verdadero poder de la esfera y la amenaza que ésta representa para el cosmos, debe hacer todo lo posible para reunir a sus heterogéneos rivales para una última y desesperada misión, con el destino de la galaxia en juego.


Viendo esta película lo primero que me pregunté es por qué Hollyeood no hizo algo así antes? Hollywood necesitaba un film así. O mejor dicho, el público que disfruta de estas propuestas necesitaba a Guardianes de la Galaxia. En épocas de remakes, reboots, seires basadas en películas y películas basadas en series, la creatividad es lo que escasea. Y esta película evoca a una etapa del cine fantástico que rebozaba creatividad, el cine ochentoso. Los Cazafantasmas, Volver al futuro y tantas otras. Lo evoca en espiritu, tiene una frescura que propuestas como Tranformers - por poner un ejemplo-, adolecen. Evoca especialmente a Star Wars o Indiana Jones (sobre todo a la primera, tratandose justamente de una "Space Opera"). El personaje de Peter Quill tiene muchos puntos de contacto con Han Solo, el forajido que sólo busca el beneficio personal hasta que encuentra motivaciones más altruistas que lo redimen.
Hay muy poco que criticarle, Guradianes es un producto redondo, entretenimiento puro y duro que recupera un sentido de la aventura que la propia franquicia de Star Wars había perdido en su 2da trilogía. 

El film está basado en un ignoto cómic  de Marvel, que recién hace unos años -de la mano de Brian Michael Bendis- comenzó a cobrar una relativa notoriedad. Por eso cuando escuché de este proyecto desconfiaba, pero el hecho de que sean personajes poco conocidos le jugó a favor a Marvel/Disney. James Gunn a cargo de la dirección, tuvo la libertad para reescribir el guión y adaptar el cómic con ciertas licencias. La versión del grupo acotada a 5 miembros por ejemplo, con el personaje de Nova como el gran ausente.

Otro punto a favor es el casting: Chris Pratt es uno de los grandes hallazgos, proveniente de la comedia, está muy bien dándole vida a este antihéroe. Me sorprendió gratamente Lee Pace haciendo del villano fanático religioso, Ronan. Dave Batista, luchador de MMA fue otra sorpresa, como Drax el Destructor. Zoe Saldana está muy bien pero su personaje tal vez sea el que menos se luce del grupo. Y lejos, los personajes con más onda de la película: Rocket Racoon, con un laburo de voz por parte de Bradley Cooper que es IN-CRE-I-BLE. Y Groot, un personaje que -basandonos por el trailer, no parecía que fuera a aportar demasiado-, pero ofrece momentos tan emotivos como divertidos (y no gracias al pobre aporte de Vin Diesel, que grabó en 15 minutos la voz).

Cabe mencionar algunos de los numerosos actores de reparto:

Glenn Close y John C. Reilly (como miembros de los NOVA corps), Benicio Del Toro (como The collector), Michael Rooker (como Yondu) y, por supuesto, Josh Brolin en la voz de Thanos.

No suelo hacer mención de los Soundtracks pero en esta ocasión hay que reconocer que hicieron algo muy llamativo. La banda de sonido es otro protagonista, con canciones cuidadosamente seleccionadas. La música setentosa cobra vida y termina de moldear, desde el minuto uno, el tono del film.

Una película redonda, muy disfrutable y llevadera. Aparte de todos los hallazgos y aciertos que mencioné, reconozco que como fan de la ciencia ficción debo darle un punto extra. La recreación de este universo galáctico es inmenso, el trabajo que hay detrás es épico. Desde los vestuarios, el maquillaje, el diseño de personajes y razas, planetas, naves. Sólo vean el créditos para tener una noción de la cantidad de gente que estuvo detrás de cámara para llevar esto adelante. Gracias James Gunn traer de nuevo la aventura al cine, esa aventura que nos devuelve el estupor infantil al menos por dos horas. Gracias Marvel por Guardianes de la Galaxia, gracias.

La era del hielo 3 (3D)

La exitosa franquicia de Blue Sky studio vuelve con los personajes que ya conocemos (y algunos nuevos), para que disfruten grandes y chicos por igual.

Sinopsis: Manny y Ellie esperan el nacimiento de su hijo, Sid, el perezoso, se mete en problemas cuando crea una familia provisional después de encontrar unos huevos de dinosaurio y Diego, el tigre dientes de sable, se pregunta si el estar mucho tiempo con sus amigos lo está “suavizando” un poco. En una misión para rescatar al desafortunado Sid, la pandilla se aventura en un misterioso mundo subterráneo, donde conocen a una implacable comadreja, de nombre Buck.

La extraña manada conformada por Sid, Manny y Diego vuelven para su tercer aventura en pantalla grande. Esta vez, en una comedia más divertida que nunca. Precisa y certera en su humor para todo público, con una narración que no da respiro; es un gag detrás de otro, de principio a fin.

La calidad de animación sigue siendo excelente, la proyección en 3D suma muchísimo al resultado final. Repite en la dirección Carlos Saldanha.

Para esta tercer entrega, ya conocemos a los personajes principales, además de Ellie y las comadrejas Crash y Eddie, presentados en la segunda parte. La trama es simple, no tiene segundas lecturas, ni giros inesperados. Manny y Ellie están esperando su primer hijo, esto desata celos, envidias y dilemas en la "manada". A partir de ahí, una serie de eventos van a llevar a toda la pandilla hasta un mundo subterráneo donde se puede apreciar un claro homenaje a obras como "Viaje al centro de la tierra" de Julio Verne.

La presencia de los dinosaurios, que todos creían extintos, es la gran amenaza de turno. Y no podían faltar los personajes nuevos: Buck, una comadreja renegada que vive (sobrevive) en ese mundo hóstil, al mejor estilo Rambo. Por lejos, el mejor acierto del film, un personaje que suma y aporta grandes momentos. Y por otro lado, aparece una versión femenina de Scrat (la incansable ardilla) que también perseguirá la preciada bellota. Un personaje necesario para renovar el gastado chiste de la ardilla y la bellota.

Y hablando de chistes, en Ice Age 3: The dawn of the Dinosaurs, lo que claramente hace funcionar todo el engranaje es eso... los chistes, el humor visual. El guión es simple pero efectivo, cumple con la estructura clásica a la que nos tiene acostumbrados este tipo de películas. Al salir del cine, el público se olvidará por completo de la historia. Lo que tal vez perdure en la mente (con suerte) es esa comicidad puramente visual: Scrat luchando por la bellota, Sid golpeándose con algo o Buck pelando con su cuchillo.

Un entretenimiento clásico más de la Fox; otro film de animación con funny animals; una más. Cumple con las expectativas y divierte mientras dura. Ni más, ni menos.

¡Si señor! (2008)

Volvió el Carrey que todos conocíamos. Después de algunos papeles recientes que lo alejaban de su imagen de capocómico (como Eterno resplandor..., o El número 23), ahora retoma su faceta más humorística en esta comedia fácil pero efectiva.

Una sinopsis: Carl Allen es un hombre cuya vida va hacia ninguna parte y que muestra una tendencia enfermiza a decir siempre "no", hasta que se inscribe en un programa de autoayuda basado en una única condición: decir "sí" a todo, absolutamente todo.

Había leído algunas críticas bastante malas sobre esta comedia que, ahora entiendo, son injustas y exageradas. Yes man cumple con los requisítos básicos para entretener a su público. El motor que desencadena todo el argumento es extremadamente simple, pero no deja de ser eficiente. Y le deja el campo libre a Jim Carrey para que demuestre lo mejor que sabe hacer (claro, tiende a repetirse... pero sus seguidores no nos quejamos).

Peyton Reed (Down with love, The Break-up) logra una comedia pareja, donde hace lucir a su protagonista. Es verdad que el guión termina reduciendose en gran medida a una serie de gags de humor rápido y liviano. Pero esto también da lugar al desarrollo de personajes secundarios sumamente entrañables: Norman, el jefe de banco fanático de Harry Potter o Allison (excelentemente encarnada por Zooey Deschanel) una artista que "saca fotos mientras corre" y que termina convirtiendose en la figura romántica de la cinta.

De esta manera, se dan lugar muchas situaciones delirantes, personajes bizarros y diálogos descontracturados, que por momentos recuerdan el humor de películas como Virgen a los 40 o Ligeramente embarazada.

Resumiendo, Yes man es una comedia más de Jim Carrey, así que el público que lo sigue puede estar agradecido de este "regreso" (hace tiempo que no la pegaba con sus películas de humor); y es una muy buena comedia para cualquier persona que quiera reírse y pasar un buen rato, sin más.

Entre besos y tiros (2005)

Ambientada en Los Angeles, la historia trata sobre un detective privado, una actirz frustrada y un ladrón devenido en actor que se verán involucrados en un caso de asesinato.

Shane Black es un actor, escritor y productor que se lanza como director en Kiss Kiss Bang Bang (título original). Fue responsable de los guiones de la saga Arma Mortal, y en este film aplica todos sus conocimientos del género, pero burlándose de ciertos clicés del policial negro. Tenemos al narrador en primera persona, al detective privado, la femme fatale , un misterioso asesinato, el glamour de Los Angeles y hasta el típico Jazz como banda sonora: los elementos están dispuestos para generar una trama interesante que logra un perfecto homenaje a las clásicas historias de detectives. Aunque por momentos confunde por la cantidad de información y nombres, la historia es atrapante y está muy bien narrada.

El trío principal está formado por Val Kilmer (como un detective gay bastante gordito), Michelle Monaghan (todavía no tan conocida en esa época) y un increíble Robert Downey Jr.: sútil, verborrágico, cómico; es el protagonista absoluto del film y demuestra su talento a cada minuto, no tiene desperdicio.

Shane Black logró un film visualmente original (vuelvo a destacar el buen uso de Motion Graphics en el cine), bien dirigido, con personajes atractivos y bien desarrollados, con una trama clásica pero vista desde otro ángulo. Sus falencias no llegan a opacar sus grandes virtudes. El cóctel de géneros da por resultado un policial/thriller/comedia de humor negro más que efectivo, que va a dejar la sonrisa marcada en tu cara.

Una guerra de película (2008)

Cuando ví por primera vez el trailer de la película tuve la sensación de estar ante otra comedia boba de Hollywood, la premisa me resultaba totalmente ridícula. Luego, me enteré que era el último proyecto de Ben  Stiller como realizador y que mucha gente la esperaba con gran expectativa. Escuché buenos comentarios, incluso antes de su estreno, sobre esta sátira que bajo su manto de humor tonto criticaba al establishment de la industria del cine.

La trama es la siguiente: una superproducción del cine bélico se está filmando en locaciones reales, en el medio de la selva. El rodaje se complica y la producción se cancela, pero el elenco protagónico termina accidentalmente involucrado en una guerra verdadera.

Ben Stiller vuelve a repetirse como actor (ya lo ha hecho incontables veces), y ahora también como director. Admito haber prejuzgado a Zoolander -que detrás de los gags y chistes fáciles escondía una inteligente crítica al mundo del modelaje y las celebrities en general-, pero en gran medida las virtudes de Stiller han sido magnificadas. En Una guerra de película repite su mirada y su particular humor ácido, esta vez centrado en el mundo del cine.

El film es una parodia a las películas bélicas y al sistema "Hollywoodense", con sus estrellas egocéntricas, sus productores desalmados y otras miserias del mundillo cinematográfico.

El reparto no pudo haber sido mejor, una selección de astros de la comedia: Jack Black como un actor de comedia drogadicto, Robert Downey Jr. como un actor de método que interpreta a un soldado negro y el propio Stiller como un actor de acción que busca remontar su carrera.

Suman en roles secundarios figuras sumamente reconocidas. Matthew McConaughey es el agente de Tugg/Stiller. Nick Nolte es el perturbado veterano de guerra que escribió sus vivencias en la novela Tropic Thunder  (título original del film). Y la gran sorpresa: un irreconocible Tom Cruise como el jefe de estudio, su caracterización es tremenda! (manos gordas, calvo y con pelo en pecho). Y claro, su interpretación nos recuerda lo versátil que puede llegar ser como actor.

Tantos astros juntos se terminan opacando, el histriónico Jack Black creo que es el más afectado (me encanta, sigo toda su filmografía pero en esta ocasión creo que es el menos memorable). Sin dudas, el más polémico y llamativo es el personaje Robert Downey Jr., quien tuvo un gran año con Iron Man y ahora con Tropic Thunder vuelve a demostrar que no es casualidad, su talento es enorme y se lleva los mejores momentos.

En resumen: una comedia efectiva y bien resuelta con el sello "Ben Stiller" de fábrica. Tal vez no sea del todo original y su ritmo decaiga sobre la mitad; pero sin dudas es atrevida, tiene diálogos y personajes que se burlan de todo y de todos. Con algunas escenas controvertidas (el pólemico "Simple Jack", el personaje de Tugg/Stiller de un granjero con retraso mental que hasta a mí me incomodó), un morbo y un humor negro poco habituales, con mucha sangre y mutilaciones incluídas. En mi opinión, no es la mejor comedia del 2008 pero es sumamente recomendable. Los seguidores de Stiller no saldrán defraudados.

Wall-E (2008)

PIXAR lo volvió a hacer, de alguna manera año tras año lo logra. Volvió a crear una película de animación de excelente calidad visual, con personajes entrañables y una historia emotiva. El film despliega una imaginación sin límites, y sorprende con un guión simple pero profundo.

Wall-E es un robot que recolecta y apila basura, es lo único que ha hecho durante cientos y cientos de años. Es el último robot en funcionamiento en el planeta, todos se han ido. La tierra está deshabitada. Hasta que llega EVE, una robot que busca vida vegetal entre tantas toneladas de basura. Wall-E se enamora y juntos emprenderán un viaje insólito a través del espacio y que definirá el destino de la humanidad.

Habiendo visto el trailer, realmente no sabía que esperar. Pero la película superó todas mis expectativas. La calidad que logró PIXAR con la animación digital es insuperable. Incluso se ven pequeñas escenas con actores reales muy bien insertadas en la trama (fíjense en la publicidad de AXIOM, que ofrece cruceros espaciales de alto confort... para escapar de la alta toxicidad de la Tierra!). El director y guionista a cargo de esta joyita no es otro que Andrew Stanton (Buscando a Nemo), una de las figuras más sobresalientes de PIXAR y que ha participado como escritor, productor y director en varios films de este estudio de animación.

Los chicos que vean Wall-E disfrutarán de la historia de amor de los robots y de los simpáticos personajes que nunca faltan (la cucaracha, los robots fallados, etc,). Y los adultos, también podrán disfrutar de una excelente película de ciencia ficción que no tiene nada que envidiarle a clásicos del género (de hecho, hay un pequeño y gracioso homenaje a 2001: A Space Odissey), aunque los elementos metafísicos y apocalípticos del film estén bien disfrazados. Porque detrás de la comicidad y la ternura de Wall-E hay una terrible crítica a nuestra sociedad posmodernista. Tal vez sobre el final, el tono moralista del film sea demasiado evidente, pero no deja de ser válido. Hay un mensaje claro sobre nuestro futuro y el de nuestros hijos, y sobre el futuro del planeta Tierra, que invita a la reflexión. 

Una obra maestra para todo público que no se puede dejar pasar.

Más extraño que la ficción (2006)

Will Ferrel es el arquetipo del actor encasillado siempre en el mismo papel: desde sus comienzos en Saturday Night Live pasando por todas sus películas. Con comedias tontas como Una noche en el Ruxbury (1998) hasta la fallida remake de Hechizada (2005), este comediante siempre hizo de payaso o de tonto, o las dos cosas juntas. En Stranger than fiction sorprende para bien con un personaje bastante diferente a lo que nos tenía acostumbrados. Interpreta a Harold Crick, un aburrido auditor de rentas e impuestos atrapado en la rutina, hasta que un día empieza a escuchar la voz de una escritora en su cabeza narrando cada una de las cosas que hace. Su vida de rutina, soledad y números está siendo escrita por otra persona, y es persona piensa matarlo!

El papel es perfecto para él, realmente supo componer un personaje soso e inexpresivo pero muy querible. El resto del reparto es impecable: Maggie Gyllenhaal -está excelente como la pastelera que enamora al protagonista-, Dustin Hoffman -que se lleva los mejores diálogos intentando guiar y ayudar a Harold, realmente delirantes- y Emma Thompson como la escritora en cuestión -fumadora compulsiva, huraña, que busca inspiración en los lugares menos pensados-, se come la película.

El director Marc Forster (Finding Neverland, 007 Quantum of solace) supo contar una historia entretenida y muy original, que mezcla sabiamente elementos fantásticos, dramáticos y también de comedia. Cada detalle de cada personaje, cada toma, cada palabra... todo está puesto conscientemente para que sobre el final todo cierre perfecto. Forster supo también manejar la ambivalencia entre el absurdo y el drama en un guión bastante inusual y que se podría haber caído en cualquier momento, sin embargo el resultado no pudo ser mejor. Además, el argumento juega mucho con lo que uno como espectador espera que pase, los giros argumentales, los finales trágicos, la relación de los personajes: todo forma parte de la vida de Harold que es, también, una novela.

Un film que no tiene desperdicio. Divertido, emotivo y muchas cosas más. Un paseo de escenas ocurrentes y momentos que te divierten y te roban una lágrima por igual.

.

Una nota aparte como diseñador: los motion graphics que se usaron en la película suman mucho al argumento y a la estética del film. Están perfectamente plantados y resaltan la afinidad del personaje por los números, su obsesión por contar todo y el elemento "tiempo" que también tiene mucho peso en la trama. Pero sobre todo hacen una experiencia visual mucho más atractiva. Es solo un detalle, pero es raro que esto no se vea tan seguido en otros films. Sin duda, un punto más a favor de esta cinta.

Hancock (2008)

Es al menos curioso el fenómeno de las películas de superheroes, tan explotadas en estos años. Para empezar, es una producto exclusivamente estadounidense. Plagado de elementos típicos del género como los superpoderes, los trajes y máscaras, las dobles identidades, los archienemigos, etc. Hancock viene a formar parte de un extraño subgénero donde se fusionan los superheoroes con el humor, aunque en este caso la fusión de géneros no de los mejores resultados. Tenemos antecedentes interesantes como Mystery Men (1999) con Ben Stiller o My super ex-girlfriend (2006), una comedia bien resuelta con Uma Thurman como la neurótica superheroína "G-girl".

El personaje de Hancock (Will Smith) es raro, inusual. Es un vago insoportable, alcohólico y con superpoderes. Pero no es un superheroe, la gente lo odia. Un ejecutivo de relaciones públicas lo ayudará a cambiar su imagen. Esta primera parte no está mal pero sobre el final el film pierde el rumbo. Porque Hancock es una pelicula de acción, con intentos de comedia y por momentos pierde identidad al no terminar de definir su estilo. Toma, como es evidente, muchos elementos de la mitología superheroica pero sin plantarse definitivamente en la parodia.

El guión tiene sus aciertos pero también muchos baches. La explicación para los poderes de Hancock simplemente no cierra, muy rebuscada. Y los villanos del film son paupérrimos, entre otros detalles.

El director Peter Berg (Smokin Aces, The Kingdom) no podemos decir que sea muy regular en sus trabajos, está haciendo un gran esfuerzo por hacerse notar, parece. Las escenas de acción son su fuerte porque están excelentes. Técnicamente es impecable y se nota que está mejorando, pero en esta ocasión no supo cerrar la película como merecía.

Así que el film se disfruta, entretiene en gran medida pero deja la impresión de haberse quedado a mitad de camino. Una idea original pero mal resuelta. Incluso el desenlace deja abierta la puerta para una secuela que, seguramente, nunca llegará.

Un buen año (2006)

¿Qué tienen en común Blade Runner, Alien, Gladiador y la reciente Gángster Americano? Por supuesto, su director es Ridley Scott. Pueden imaginarlo acaso realizando una comedia romántica? yo no, por eso me llevé una buena sorpresa con A good Year. 

El film nos cuenta de un corredor de bolsa, competitivo y adicto al trabajo, que tras heredar las tierras -con viñedos incluidos- de su fallecido tío, se traslada a Francia para vender y deshacerse rápidamente de la propiedad. Sus planes se complicaran, como se imaginan.

Protagoniza un siempre correcto Russel Crowe, como el irritante pero simpático Max Skinner, y la hermosa Marion Cotillard, actriz francesa que se llevó el oscar por su papel de Edith Piaf en La vida en rosa.

El tono de la película es el usual para las comedias románticas, con algunos enredos y situaciones divertidas. La relación de Max con el viticultor (el vino ocupa un lugar importante en el relato) es particularmente graciosa y el resto de los personajes aportan también su cuota de humor. Aunque el film no se queda en los lugares comunes de este género; de hecho, la historia de amor es solo una parte de la trama.

La película nos muestra como un yuppie alienado por su trabajo de Londres, vuelve al lugar donde pasó su infancia, a reencontrarse con sus raíces. La mano maestra del director supo combinar acertadamente la comedia con el drama presente en la nostalgia del protagonista, el pasado que vuelve a cada instante con las visiones de su tío (el bonachón Albert Finney) y que lo hacen replantearse su vida, su identidad.

Una comedia liviana y entretenida, bien resuelta por Ridley Scott, en un film atípico para su carrera.

Kung Fu Panda (2008)

¿Qué pasaría si a una típica película de animación con animalitos parlantes le sumamos la acción de un film de artes marciales y le agregamos, además, el humor más delirante de Jack Black? El resultado, señores, es Kung Fu Panda. Divertida, hilarante y con excelentes escenas de pelea. No podemos decir que sea un producto original, pero... acaso hace falta?
La combinación de fórmulas ya exitosas logran un film redondo por donde se lo mire, y suman mucho las voces de figuras como Dustin Hoffman o Angelina Jolie. Pero es la presencia de Jack Black como el Panda Po que termina de darle forma al todo. Ya en los primeros segundos se luce con el carisma que lo caracteriza y la verdad, se come al personaje al punto de qué es impensable la película sin él. Quién pueda ver la versión original sin doblar, no se la pierda porque no tiene ningún desperdicio, especialmente si disfrutás de este actor cómico y su particular humor.
La historia es simple: una leyenda ancestral habla de la llegada de un "guerrero Dragón" que traerá paz al valle y ese momento es ansiado por todos, incluso por el maestro Shifu y sus cinco alumnos. Adivinan quién puede ser ese guerrero? mmm. Tai Lung es el diabólico villano de turno (presten atención a la escena donde escapa de prisión, es excelente).

DOS ESTILOS PARA ELEGIR

En los últimos años, Pixar y DreamWorks han terminado de deliniar la línea estética y conceptual de sus películas. Mientras que la primera se lanza con productos más jugados, aparentemente para chicos pero apuntado a un público adulto que pueda "leer entre líneas" (Los increíbles o Ratatouille son claros ejemplos de films "vendibles", para toda la familia, pero con diversos grados de lectura que suelen dejar de lado a los más chicos); la segunda se caracteriza por un cine ATP y un humor más simple y directo. En ambos estudios, el grado de calidad en la animación sigue mejorando año tras año, ya ni vale la pena mencionarlo. Y no pueden faltar, en ningún caso, el habitual merchandising y los muñecos de la "cajita feliz".

Pero olvidemos las comparaciones, porque en este caso las diferencias de las propuestas son evidentes: un robot chatarrero de un futuro lejano y un Panda torpe y gordo que quiere estudiar Kung Fu... usted elige! Todavía no vi Wall-E, pero quedé muy conforme con lo nuevo de DreamWorks, que luego de currar tres temporadas seguidas con su "ogro tira-eructos", volvió a pegarla con este divertido film para grandes y chicos. Muy recomendable, para disfrutar en el cine con pop-corn y gaseosa.

Clerks (1994)

En 1994 aparece en escena un personaje poco convencional: Kevin Smith. Director, productor, escritor y guionista de comics. Con Clerks, su primer largometraje, demuestra todo su talento para contar una historia simple con pocos recursos. En esta presenta muchos de los personajes que volverá a usar en futuros proyectos, tal vez los más reconocidos sean la inseparable dupla Jay y Silent Bob (interpretado por el propio Smith).

La película muestra un típico día en la vida de Dante y Randal, dos jóvenes empleados de un supermarket  y un videoclub respectivamente. Somos testigos de su rutina diaria y de una sucesión de eventos que, cuales sketches en un programa cómico de tv, buscan hacernos reír. Los chistes son vulgares y tontos, a veces, solo gags que no aportan nada al argumento pero justamente eso es lo que buscan ser. Claro que en el fondo existe una historia y ¿acaso también un mensaje, una crítica sobre el grado de mediocridad y conformismo al que puede llegar el ser humano?

No lo sé, pero lo cierto es que el verdadero estilo personal de Kevin Smith se ve reflejado en los diálogos que son geniales; muy mordaces y llenos de malas palabras, y llegan a ser tan banales como profundos. Es su marca de fábrica y es lo que caracteriza toda su obra. Podemos presenciar por igual debates de Star Wars, sexo, superheroes y todo tipo de análisis de usos y costumbres de las personas en, por ejemplo, un supermercado.

Este realizador ha ganado numerosos premios y cuenta con un público fiel que está atento a todos los guiños de sus películas. Lejos de ser una obra maestra, Clerks se disfruta como lo que es: un film independiente sin grandes pretensiones pero resuelto originalmente, una comedia liviana, una bocanada de aire fresco.

Chaos Theory (2007)

Empecemos por definir el género de esta película: comedia dramática. Acá ya nos encontramos en una zona de riesgo porque no siempre se logran buenos resultados con esta conjunción de drama y comedia; y en Chaos Theory esa dificultad queda en evidencia. La historia es simple y parte de una estructura que debería funcionar: un hombre ordenado en exceso, que se maneja con listas y tarjetas para no perder control del más mínimo detalle, se enfrenta a una serie de eventos fortuitos que desencadenan la más profunda crisis de su vida. 
La primer mitad del film funciona como un reloj y me sacó alguna sonrisa. El humor no está dado por el chiste fácil sino por las sutilezas de los dialogos y las situaciones y esto es para destacar. Y en esto tiene mucho que ver también su protragonista, Ryan Reynolds. Este actor canadiense salva gran parte del película, su potencial es innegable. En su prolífica carrera ha pasado por diversas comedias de cine y televisón, en dramas y hasta en films de terror y acción. Y ahora vuelve a demostrar que puede hacer reír y llorar al mismo tiempo!
La verdad es que tiene sus momentos, agradables y divertidos. Pero sobre el final, el film se estanca y se agotan las pequeñas sorpresas que ofrecía esta historia, que prometía más. Los elementos dramáticos toman tal peso que terminan ahogando a la comedia. Saludablemente, la pelicula no llega a los 90 min y el talento de Reynolds para desenvolverse en esa ambibalencia del absurdo y la tragedia ayuda mucho al resultado final.
Para ver en casa un domingo a la tarde, tomando chocolate caliente.

Muerte en un funeral (2007)

Me acerqué a este film por la recomendación de varios amigos, y aclaro de antemano que el humor inglés no suele ser de mi agrado. Esta comedia británica cuenta una historia chiquita que ocupa en la ficción solo un par de horas. Ocurre obviamente en un velorio, los personajes son variopintos, muchos de ellos exagerados y delirantes y darán lugar a situaciones realmente bizarras.
Queda en evidencia que el guión se esfuerza sobremanera por hacer reír al espectador, en mi caso gran parte del film no lo logra. Muchas de estas situaciones supuestamente cómicas no me causaron gracia, son desagradables o simplemente muy forzadas; y muchos de los personajes están tan exagerados que se vuelven caricaturas.
La relación de los dos hermanos protagonistas está muy bien desarrollada y para ser justos, hay grandes momentos en el film que seguro te van a sacar una sonrisa.
Así que, Death at a funeral es una comedia liviana, sin muchas pretensiones, bien realizada y que dura lo justo. Justamente por estas razones se disfruta. Aunque me he divertido más con otras comedias y con otro tipo de humor.

27 bodas (2008)

Al ver 27 bodas confirmé que el género "comedia romántica" en el cine yanqui está agotado.  La película plantea un argumento interesante, pero termina ahogándose en los clichés de un género que parece repetir la misma fórmula una y otra vez hasta el hartazgo. Luego de estar en 27 bodas y usar 27 ridículos vestidos (por eso 27 dresses, su título original) como madrina, Jane llega a una encrucijada cuando su hermana está apunto de casarse con el hombre que ella ama.

La película no es mala, pero por momentos se vuelve predecible y monótona. La protagonista, Katherine  Heigl (que casualmente estuvo en la reciente Ligeramente embarazada, original comedia que escapa a cualquier molde) está bien, hasta podría ser la nueva Meg Ryan, pero su personaje sufre tanto que no da risa. Su hermana es Malin Akerman cuyo papel recuerda a la sensual pero insoportable Lila de La mujer de mis pesadillas (The heartbreak kid).

Una lástima porque la historia daba para más.

Super Agente 86 (2008)

La serie de remakes hollywoodenses en los últimos años no dió respiro. Ahora se suma Get Smart y, dentro de todo, sale muy bien parada. Logró sacarme varias sonrisas y salí del cine satisfecho. Si viste el trailer ya sabés lo que te vas a encontrar, los chistes y los gags son los mismos de siempre, pero no por eso son menos efectivos y no paran un solo segundo. En los diálogos hay juegos de palabras que se pierden en el doblaje -vi la versión "Doblada al castellano" que cuenta con la voz original de la serie-; y se permiten ciertas licencias para el público local (si hasta mencionan a "Maradona y su hinchada").

Maxwell Smart conserva ese infantilismo y torpeza que tenía el personaje original y Steve Carrel da perfecto para el papel. El resto del reparto está muy bien, Anne Hathaway es tal vez muy joven pero se ve creíble como "la 99"; Alan Arkin ("el jefe") y Dwayne "The Rock" Johnson (agente 23) cumplen. Quien desencaja un poco es Terence Stamp (Siegfried), que es un actorazo pero en este género no termina de convencer. 

Este sea tal vez el único punto flojo a destacar, desaprovecharon la comicidad que también tenía KAOS y los "malos" de la película realmente no causan gracia, cosa que no sucede con CONTROL y todos sus personajes .

Los guiños a la vieja serie son muchos y se disfrutan, desde las incontables puertas de la presentación, el zapatofono, el agente 13 (el que aparecía escondido en cualquier lugar, un breve pero impagable Bill Murray), un tecnológico cono del silencio y hasta Jaime, el robot aparecen!

En el cine se sentían las risas en todo momento y cuando acabó la función la gente aplaudió, y esto no sucede a menudo. No es LA película, pero es un muy buen entretenimiento pochoclero para toda la familia y cumple su cometido, que es divertir. Esperen sin dudar, una secuela.